Sergey Estrin:
- Det er vanskeligt at udarbejde et klart kriterium for at vurdere niveauet for grafisk arbejde. Hvis du starter fra det modsatte, fra hvad du ikke kan lide, så kan du bestemt ikke lide det, når talentfulde tegnere reproducerer fotografier. Sådan grafik er kun slående, fordi de formidler billeder med den højeste nøjagtighed, dens billeder ligner levende. For mig er dette bestemt ikke et udvælgelseskriterium. Det er vigtigt for mig, at når jeg ser på et værk, har jeg straks et ønske om at tænke over det. Så der vises en hel række associerende billeder, hentydninger, endda fornemmelser og følelser. Jeg kan godt lide det, når du begynder at følge linjen, hvordan forfatteren førte den, og jeg kan tænke på, hvorfor han gjorde det på denne måde og ikke ellers. Det er omtrent det samme med arkitektur - Jeg er fascineret af tvetydige bygninger, når du kan nyde forskellige vinkler, forskellige nye billeder og opdagelser …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Jeg elsker hans grafik meget. Det er meget anderledes. Bunin havde for eksempel en periode, hvor han malede pletter. Som barn havde jeg bøger med hans illustrationer. Jeg husker hans fantastiske illustrationer til Pushkin. Jeg kan virkelig godt lide den måde, han arbejdede med Omar Khayyams tekster på. Eller denne tegning: ved livets livlighed, ved underdrivelse - dette er et interessant værk. Bunin behøver ikke at tegne hele figuren, hele lydstyrken, dette er overflødigt - selve linjen, som den går, og formidler billedets betydning. Et eller andet sted ser det ud til at hånden skalv, linjen går i stykker - men det er ikke fordi kunstneren er svag, men fordi det er nødvendigt at formidle betydningen. Og nu ser du på denne linje - intermitterende, nervøs, forskellig i tykkelse - og den fortæller alt, hvad der er nødvendigt. For mig er dette det højeste niveau, helt fantastisk grafik. Desuden er jeg sikker på, at Bunin malede dette uden nogen forberedelse, modellen udgjorde næppe for ham. Jeg forsøger bevidst at gentage denne måde at tegne linjen på, jeg tegner bjerge som denne … På denne måde - i halve streger - prøver mange kunstnere at tegne, men ikke alle lykkes. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Jeg blev bekendt med hans arbejde på instituttet. Noakovsky - russisk-polsk arkitekt og grafiker, boede i begyndelsen af det 19.-20. Århundrede, før den revolution, han underviste på Moskva School of Painting, Sculpture and Architecture, var medlem af Imperial Academy of Arts. Han var en stor akvarelist, malede arkitektoniske monumenter. Eleverne elskede ham. Et fotografi har overlevet, hvor han tegner med kridt på en skifer under en forelæsning og forklarer arkitektoniske stilarter. Jeg forestiller mig levende, hvordan han først viser, hvad der adskiller sig, siger Rococo-stilen - proportioner, elementer, kombinationer, forholdet mellem vægge og indretning. Og han gør det hele hurtigt med et par slag, men på en sådan måde, at essensen fanges. Det vil sige på et meget kunstnerisk og professionelt niveau. Jeg kan forestille mig, hvor forstyrret det var for de studerende, da han vaskede en ting og begyndte at tegne en anden, måske ikke mindre strålende …
Det samme er i disse akvareller: det vigtigste formidles her. Noakovsky behøvede ikke at tegne alle detaljer, enhver lettelse, som om han kopierede et fotografi. I stedet koncentrerer han sig om essensen: den formidler plads, kraft, rytme, proportioner, indtryk fra dem. Dette ligner meget, hvordan vores hukommelse fungerer generelt - små ting slettes, hvilket efterlader et fælles billede, der imponerede os. Det samme er Noakovsky - han tager fat i hele billedet. En meget arkitektonisk, meget korrekt tilgang, som det ser ud til mig, til tegning. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
For at være ærlig rører ikke alt i Piranesis arbejde mig. Gamle monumenter, udsigt over Rom og dets arkitektoniske landskaber får mig ikke til at føle mig stærk. Det er meget godt udført, gennemtænkt, verificeret, men gør dig ikke bekymret. Og en helt anden ting er hans fantasier om temaet fængsler, hans "Dungeons" - en serie på 16 ark. Arkitektoniske dårskab, helt umulig i virkeligheden, hvor han ikke længere begrænsede sig til noget. I disse ark byggede han en transcendental verden, kompleks, fascinerende, mystisk, spændende. Jeg købte engang en hel bog til et par reproduktioner af Piranesis Dungeons. Disse værker er meget personlige, følelsesladede og vigtigst af alt meget moderne, selvom de først blev offentliggjort i midten af det 18. århundrede. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Far til Alexander Brodsky. Uddannet fra Moscow Architectural Institute. Og i hans boggrafik mærkes faktisk en arkitekt. Der er en kontrast, proportioner, en slags sværhedsgrad, selvfølgelig en følelse af linje og form - alt dette sammen giver et stærkt indtryk. Han ved, hvordan man dygtigt pisker emnet op - se på disse råbende hoveder, der er så mange af dem, at det ser ud til, at du allerede kan høre, fysisk føle deres latter. Figurerne fra Don Quijote og Sancho i midten af dette hav af hoveder er tegnet som om de var lavet af en billedhugger. Meget god grafik. For sine illustrationer til Don Quijote modtog Savva Brodsky en guldmedalje på Moskvas Bogmesse og blev valgt Tilsvarende akademiker af det spanske kongelige kunstakademi.
Og hans plader til Romeo og Juliet er også fantastiske og meget arkitektoniske. Dette fremgår af selve det faktum, at dette er en serie - det vil sige forfatteren indstiller rytmen og fungerer derfor som arkitekt. Der er akser, et perspektiv, der strækker sig ud til uendelig, og skulpturelle figurer, der sætter skalaen for denne søjlegang og skibet. Meget fint. Brodsky ved hvordan man formidler synspunktet for en person, der ser på giganter. Som arkitekt forstår jeg absolut alt her, måske er det derfor, jeg kan lide det. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Den østrigske kunstner, en elev af Klimt, var efter sin død faktisk den største kunstner i Østrig, men døde i en alder af 28 år fra en spansk kvinde. Han har mange malerier og flere tusinde tegninger. Hans arbejde er meget interessant. Fantastisk talent. Både genkendelig og forskelligartet. Måske, hvis han havde levet et langt liv, ville han være blevet billedhugger, fordi hans ting er meget skulpturelle og måske endda en arkitekt … Han ser meget korrekt, fjerner unødvendige ting og tilføjer nogle usædvanligt skarpe følelser. Han har en utrolig vidunderlig linje, som en nerver. Hans maleri er uadskilleligt fra grafik. Selv de ting, der er malet, er helt grafiske.
Hans portrætter er på ingen måde en karikatur, ikke en karikatur, hvor de også forsøger at fange det vigtigste. Han ændrer også proportionerne lidt, strækker dem. Schiele har en vidunderlig skole, han ved bestemt både proportioner og anatomi, men han ved hvordan man kan skærpe dem og formidle dem på en sådan måde, at hver linje begynder at ringe med en strakt nerve, man kan næsten høre det.
Og hans arkitektoniske tegninger, der meget sjældnere offentliggøres end portrætter, er simpelthen storslåede i noget af deres enkelhed. Og her ser han også det vigtigste. Det ser ud til, at de mest almindelige huse, ingen ville tænke at fange dem. Men et par accenter - og fra dem vil du genkende begyndelsen af 1900-tallet, stemningen i modernitet, skønt der ikke er en eneste linje fra moderniteten, fra art nouveau her. ***
