Biennalen var træt af at blive kurateret af kritikere, teoretikere og andre næsten arkitektoniske mennesker, 10 år efter, at Massimiliano Fuksas igen betroede sig i hænderne på en arkitekt. Kazuyo Sejima er en berømt japansk arkitekt, en af grundlæggerne af arkitektbureauet SANAA, forfatteren til bygningerne på flere store museer, herunder New Museum i New York, samt Serpentine Gallery Pavilion 2009, vinder af 2004 Golden Lion, der modtog Pritzkerprisen kort efter hendes udnævnelse som kurator for Biënnalen. Hun er også den første kvindelige kurator i udstillingens historie. Men det vigtigste, ifølge direktøren for biennalen, Paolo Baratta, er at hun er en praktiserende arkitekt. Sejima gentager dette i sin kuratoriske besked, der begynder med "Biennalen fra 2010 vil være en refleksion over arkitektur."
I modsætning til det gådefulde motto 'ud over bygning' af sin forgænger, kurator Aaron Betsky i 2008, som halvdelen af deltagerne ikke rigtig kunne forstå, og den anden halvdel ignorerede, foreslog Kazuyo Sejima i år et simpelt og tilgængeligt slogan: "Folk mødes i arkitektur "som ikke er særlig bindende. Det er åbenlyst, at to ting er forenet i det - arkitektur, som Biennalen tilsyneladende seriøst har til hensigt at vende tilbage til, og plus til arkitektur en slags subtil sociologisk note til en ændring. Det er trods alt umuligt at fuldstændigt absolutisere udstillingens hovedemne; der skal tilføjes noget. Arkitektur til noget, men de bygger for eksempel, så folk mødes der. Herfra er en direkte vej til de offentlige bygninger, der pryder kuratorens portefølje så godt. Ud over mottoet skitserede Sejima adskillige yderligere betydninger: udstillingens fokus er den moderne arkitekturs reaktion på de ændringer, som det 21. århundrede medførte, til informatisering og globalisering; de grænser, som arkitektur enten betegner eller sletter; og kvaliteten af den byggede arkitektur - tilføjer Paolo Baratta i sin besked. Efter en lang søgen efter sandheden "på siden" vil verdens vigtigste arkitektoniske udstilling (og Venedigbiennalen selvfølgelig sådan) vende tilbage til sit hovedemne styret af en blød og diskret kvindes hånd. Kuratorudstillingen har i alt 48 deltagere, ikke kun arkitekter, men også ingeniørfirmaer.
Med hensyn til den vigtigste kuratoriske redegørelse, som på Biennalen altid afholdes i Corderie Arsenal-bygningen, erklærede Sejima deltagernes frihed og sagde i manifestet, at hver deltager vil være "sin egen kurator" inden for det "uafhængige" fragment af arsenalet interiør tildelt ham. Mangfoldighed er bedre end samlende vilje, siger kuratoren; med et ord, gør hvad du vil … Fuld frihed; selvom du går gennem udstillingen, forstår du, at dette ikke er helt sandt.
En besøgende, der kommer ind i den første hal i kuratorialdelen af Biënnalen, bliver mødt af et kæmpe stenhjerte skåret af en træøkse - øksen viser sig ved nærmere undersøgelse at være et fristed med en skorsten, der går op, en metafor for tragedien af det nylige chilenske jordskælv (en detaljeret historie om genopretning efter katastrofen kan findes yderligere, om Arsenal-udstillingen af den chilenske pavillon). For to år siden blev Arsenal-udstillingen åbnet af en sjov film- og videoinstallation; i modsætning til hukommelsen om hende er stenets hjerte meget stort, groft og groft. Dette er en slags gigantisk genstand, ved siden af det har du lyst til i en kannibals hule og indstiller uundgåeligt alvorligt. Søjlerne i Arsenal begynder at virke som søjler i en romansk basilika, og ligheden mellem dette berømte udstillingsrum og et tempel forstærkes på en eller anden måde. Det er muligt, at dette er, hvad det var meningen.
Lige bag stenøksen er en kompakt biografhal med en film af Wim Wenders, som man hurtigt kan gå igennem for at stifte bekendtskab med et endnu større emne fra Ensamble Studio og dets hoved Anton García-Abril. Ved at krydse under søjlerækkerne og blokere den lige sti hviler to kæmpe I-bjælker i hallen, svarende til skinner og at dømme efter deres grå farve, sandsynligvis beton. Den ene gigantiske bjælke ligger på den anden, og dens frie ende hviler på en fjeder så høj som en gennemsnitlig mand. Foråret understøtter selvfølgelig ikke rigtig noget, børn leger med det, men det ser meget imponerende ud. Dette kan ikke kaldes en "kilde"; og hvis skalaen af den skulpturelle genstand, der blev placeret der, i den allerførste hal svarede til interiørets størrelse, så synes denne at være for stor selv for et arsenalinteriør, overgår og endog undertrykker det lidt.
Fra en sådan progressiv vækst tænker du ufrivilligt - min Gud, hvad der vil ske næste. Men så befinder vi os i en sky ("livsstørrelse" - som angivet i kuratorialmanifestet), bygget sammen af den japanske arkitekt Tetsuo Kondo og ingeniør Matthias Schuler fra det tyske firma Transsolar, med speciale i klimateknik (kendskab til virksomhedens detaljer, det er let at gætte hvorfor skyen; klimakontrol sneg sig ind i Arsenal og arrangerede sit eget vejr i det …). Hallen er fyldt med en hvidlig tåge, som pumpes gennem hullerne i væggen med specielle installationer. Tågen spreder sig på niveauet med gallerierne, og der er bygget en spiralformet struktur i midten, der klatrer, hvor du kan gå gennem skyen og se på den ovenfra. Skyen spreder sig i lagdelte strimler, den er tilstoppet over, som i et bad, men effekten er vidunderlig. Det er sandt, at moskovitterne oplevede en lignende effekt så sent som i august med ankomsten af røg til byen; i Arsenal er denne sky imidlertid tykkere, tilsyneladende sikker.
Kuratoren fortolker det fælles arbejde med sin landsmand og en tysk ingeniør som følger: det skubber os til en ny forståelse af rummet, hvis kun fordi skyens grænser er slørede. Grænserne er faktisk slørede, selvom de er lukket i hallen. At dykke ned i tågen er sjovt; men det er umuligt ikke at huske, hvad skyerne allerede har gjort - først og fremmest de berømte arkitekt-kunstnere Elizabeth Diller og Ricardo Scofidio. Måske er det grunden til, at kuratoren delikat bemærker i sin besked: ikke alle installationer er originale med hensyn til stil, men mange repræsenterer toppen af moderne teknologi.
Det indiske studie Mumbai lavede den næste store hal med klodser af træmodeller og hængte klassiske trebladede blæsere fra loftet og gjorde det til et "værksted" - men for et så stort rum er ting stadig ikke nok, en fuld- flygtig illusion af kunstneriske blokeringer opstår ikke; det viste sig i sammenligning med de første installationer lille, men hyggeligt.
R & Sie (n), det parisiske arkitektfirma François Roche og Stéphane Laveau, der viste hvide modeller af bioniske skulpturbygninger i den italienske pavillon for to år siden, frigav en af deres bizarre væsner i Arsenal-rummet og gjorde det til et bord på ben. På den ene side er dette martyrdyr dækket af glasvækst, der lyser med et grønt lys, overvåger spire fra den modsatte ende, i midten over et stykke af et flerfarvet pseudo-mineral, en enhed svarende til en Geiger-tæller bipper. I forklaringen husker forfatterne Tarkovskys "Stalker" og taler om grænserne for civilisationens præstationer - sandsynligvis skulle denne installation svare på kuratorens afhandling om "grænser". Fordi det i modsætning til sine naboer ikke påvirker rummet på nogen måde; snarere viser det os en eksotisk indbygger, der bor indeni.
Men hallen til Olafur Eliasson er meget effektiv: i mørket er tre slanger ophængt fra loftet, der spredes omkring de fantasifulde vridende vandstråler, der skelnes i de nervøse blink af stroboskopisk lys. Det eksotiske brusebad er hypnotiserende, men svært at fotografere. Jeg må sige, at Sejimas ord om, at mange billeder ikke vil være nye, ærligt er sande - Eliasson lavede det første lignende brusebad tilbage i 1996.
Yderligere - igen lys, en træramme af en flad kuppel fra et kinesisk bureau med det franske navn Amator (hvilket betyder amatør). Faktisk var det som om amatører drejede disse matricer sammen med bolte; men selve evnen til at krydse kuplens grænse, hvor det normalt er umuligt at krydse den og bogstaveligt talt "komme ind i kuplen" er ret nysgerrig (igen grænser).
Til denne linje skal vi tilføje Jeanette Cardiff Music Hall, hvor højttalerne er placeret i en cirkel, og i midten er der stole til at lytte til den resulterende (volumetriske? Arkitektoniske?) Musik. Og sættet vil være komplet. Her er blot et sæt af hvad?
Den lovede arkitektur i det ser ved første øjekast ikke ud til at være nok. Det vil sige, at traditionelle layout og tabletter i en fælles rækkefølge naturligvis findes: det mest bemærkelsesværdige for det russiske øje er konkurrenceprojektet i Perm Museum-bygningen fra Valerio Oljati, det mest synlige for øjet generelt er Taichung Opera projekt fra Toyo Ito. Denne bygning, der ligner et lille fragment udskåret fra en meget stor termitbunke (trods alt Kina), præsenteres med omhyggelig detalje og leveres med komplet dokumentation, der ligger på bordene i form af tykke album på forfatterens sprog. Men projektet, der er vist så detaljeret, er en undtagelse og muligvis en konsekvens af den frihed, som kuratoren har erklæret. Arsenals udstilling er dannet af installationer, derudover ikke altid lavet af arkitekter, men som vi ser, af ingeniører og oftere af kunstnere, der arbejder professionelt og godt inden for denne genre. For eksempel Olafur Eliasson - i sin portefølje er der mange gode og forskellige, normalt store installationer (der er forresten flere "skyer" der, Dealer og Scofidio er ikke de eneste i denne genre). Matthias Schuler er ingeniør. Det vil sige, kuratorudstillingen i Arsenal er på ingen måde blevet en udstilling af arkitekter.
Dette betyder ikke, at der ikke er nogen arkitektur i den. Efter min opfattelse forvandlede Kazuo Sejima, som forfatter til museumsområder, hele udstillingen til arkitektur som helhed: hun designede den ikke som designer og komponerede den ikke engang som kurator, men byggede den og kombinerede det meste af installationerne i en kæde, hvor hver deltager tilbyder sin egen måde at kunstnerisk forstå Arsenal-rummet på. Således blev Arsenal selv hovedudstillingen. Og jeg må sige, at holdningen til dette udstillingsrum er paradoksal - alle elsker det meget, men når de organiserer udstillinger i det, lægger de lidt vægt på det, simpelthen placerer de noget indeni. Arsenal er sandsynligvis fornærmet af en sådan foragt, ser dyster ud og presser publikum med skala. Men han er god i sig selv, og det er rart, at den nye kurator bemærkede dette.
I dette tilfælde udstiller kuratorudstillingen ikke så meget arkitektur som den er i sig selv. Og passagen gennem udstillingen bliver ikke læsning, ikke kontemplation og ikke udseende, men - fordybelse i arkitektur (så nedsænket i et fremmed sprog). Og deltagerne i udstillingen, "angiveligt frie" kunstnere og ingeniører, blev for Sejima et middel til arkitektonisk forståelse af Arsenals rum. Hvilket forresten er sandt, hvis vi husker, at arkitektur er den vigtigste kunst, og resten engang adlød den. Her er en kurator fra SANAA og dæmpet dem alle, men meget, meget diskret. Hun arrangerede ikke udstillingen i det indre, men fyldte rummet med indhold. Det indre af Arsenal, som om, gengældte hende, deltog i rollen som "hovedudstillingen" og blev mere behagelig. Under alle omstændigheder vil jeg nu se på det, og den lange passage gennem Arsenal denne gang er ikke så trættende som for to år siden.
Måske skyldes det, at det har mange hulrum og ikke meget indhold - en solid form og endda den vægtløse, japansk-shinto: lys, mørke (sammenflettet inde som yin og yang), sten, sky, vand, lyd … Du kan sandsynligvis endda sige, at Sejima arrangerede en række reproduktioner af allerede kendte installationer i Arsenal ved hjælp af dem som et middel for en arkitekt til at arbejde med undvigende elementer, for at fange den undvigende, blænding, skygge - ting, hvor japansk kultur er så stærk. Det er værd at opleve i Arsenal.
Som helhed og en refleksion over hovedelementerne modtages udstillingen godt. Ord mangler dog lidt; der er vigtige - såsom rum og grænse, som Sejima konstant taler om, også på gårsdagens pressekonference. Alle andre ord er samlet på "strengt udpegede steder"; Arsenal har et interviewværelse fyldt med stole og skærme med hovedtelefoner - ordelskere kan nyde taler der i meget lang tid, listen over højttalere fylder en hel mur.
Kort sagt synes kuratorudstillingen i Arsenal at være korrekt at opfattes som et andet arkitektonisk arbejde fra SANAA.
Ellers har udstillingens struktur, som mange kender, været uændret. Kuratorudstilling i Arsenal i den tidligere "pavillon i Italien", omdøbt til Palazzo Espozicione (udstillingspaladset); udstillinger af nationale pavilloner i Giardini og et "parallelt program" i byen. Den nuværende biënnale er til en vis grad en jubilæum - der er gået 35 år siden den første arkitektudstilling fra Venedigbiennalecyklussen. Derfor jubilæumsbegivenheder og minder fra tidligere biennaler. I kolonnehallen i Palazzo Justinian (paladset, hvor hovedkvarteret for Biennalens organisationskomité er placeret), blev der i går åbnet en udstilling om historien om de sidste 11 år i Venedigbiennalen, en slags rapport om resultaterne af den venetianske udstillingsøkonomi; det er også vært for LUMA-udstillingen og præsenterer Frank Gehrys “arkitekturprogram for en ny kulturel model”.
En anden del af biennalens jubilæumsprogram vil være "Arkitektoniske lørdage" - som det fremgår af pressemeddelelsen fra arrangørerne, vil der i tre måneder på lørdage i Venedig være møder med vigtige figurer fra tidligere udstillinger, herunder kuratorerne for de tidligere biennaler Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Vi planlægger gradvist at offentliggøre mere detaljerede rapporter om udstillinger og begivenheder i Biennalen. Udstillingen løber indtil 21. november.
