En arkitekt og kunstner har ikke brug for en særlig introduktion, heller ikke for den europæiske offentlighed. Han er en af de mest berømte russiske arkitekter i udlandet. I 2006 repræsenterede hans værker Rusland på Venedigbiennalen, og nu opbevares de i samlinger fra et antal af de vigtigste museer i verden: det tyske museum for arkitektur (Frankfurt), MOMA Museum of Contemporary Art (New York)), A'et. A. V. Shchusev. I Europa er Brodsky primært kendt for sine "papir" -projekter: adskillige koncepter oprettet sammen med Ilya Utkin til japanske arkitektkonkurrencer. Brodsky's "solo" -værker - installationer på grænsen mellem arkitektur og samtidskunst samt en række realiserede genstande i små former - interiører, restauranter, konceptuelle pavilloner er også kendt i Vesten.
Værkerne, der er valgt til udstillingen, dækker perioden fra de sidste tredive år og giver en idé om de forskellige teknikker, som arkitekten arbejder med. I hallen på museets første udstillingsgulv - Brodskys værker i mere traditionelle. Dette er en blyantstegning, ætsning, silketryk. En etage over - nye værker skabt specielt til denne udstilling: ler "grafik" og blæktegninger på tagpap.
På trods af de mange forskellige teknikker ligner hele udstillingen en enkelt erklæring, der er designet til at gøre besøgende bekendt med hovedtemaerne og motiverne i arkitektens arbejde. I centrum af Brodsky's poetik er konventionelle, fantasmagoriske verdener, der præsenteres, hvis vi taler med en vis grad af konvention, i stil med klassisk arkitektonisk præsentation: facade, sektion, perspektiv, generel visning. Kunstneren fokuserer på kompositioner uden for tiden, mere præcist - efter tidspor efterladt af mennesker og historie.
I kammersalene, eller som museets personale selv foretrækker at kalde dem, er "kontorer" på underetagen værker fra 1980'erne - begyndelsen af 2000'erne. Her er Brodsky efterfølgeren til pyranesianismen med dens monumentalitet og fantasmagoricitet, men hans blik er dog altid blikket fra en postmodernist med karakteristisk ironi, lagdeling af betydninger og åbenhed over for forskellige fortolkninger. Et af temaerne er enheden mellem kaos og klassisk skønhed, postmoderne entropi og renæssancebilleder. Dets udtryk er både i kaotiske fraktalperspektiver med introduktionen af arkitektoniske primære elementer - pyramider, og i udseendet af et svingende pendul under en fraktal klassisk komposition og industrielt kaos indskrevet i kuplens rum i et længdesnit, installeret på fundament ved siden af et industrielt rør. Renæssance æstetik og motivet fra det venetianske karneval kan høres i de allegoriske portrætter af en vis konventionel karakter. På en af dem kalder Brodsky ham som en arkitekt som om han giver et tip til publikum. Resten af de allegoriske portrætter minder både om de middelalderlige mysteriers helte og om den "karnevaliserede" atmosfære i komedien Del Arte og er blandt andet en omskrivning af de berømte allegorier om de primære elementer i Giuseppe Arcimboldo, som surrealisterne betragtes som en af deres forgængere. I stedet for naturlige primære elementer har Brodsky arkitektoniske elementer (en ideel by i besiddelse af en arkitekt, Babels tårn rejst på hovedet på karakterer), og surrealismens æstetik er en af nøglerne til fordybelse i hans verdener.
Brodskys industrielle landskaber er gennemsyret af den samme æstetik. Disse værker er en fordybelse i underbevidsthedens introspektive verden, hvor logiske forbindelser afskæres (eller mere præcist, de virker afskårne), og den verden, hvorfra en person fjernes, bliver helten. Det samme konstante tema, som Brodsky arbejder med: en mand var her og efterlod spor.
De fleste af udstillingerne blev efterladt "Untitled". Således er seeren berøvet tekstmeddelelser, som er accepteret i moderne kunst. Selvfølgelig er Brodskys ideelle seer en eruditkyndig inden for historie og billedkunst, der er i stand til at tælle lag af givne betydninger, fange kunstnerens postmoderne ironi, mens en mindre sofistikeret seer kan opleve en let følelse af ubehag og blive kastet i verden uden for sædvanlige årsagsforhold. To typer seere - to typer læsning, og fortolkningen af den ikke-ideelle seer kan være meget mere følelsesladet og føre til en friere strøm af foreninger.
Et af værkerne, der er tættest på bogillustrationen på udstillingen, "Et sted med fælles velstand" (1998), er både en direkte hilsen til billederne af Piranesi Pantheon, passeret gennem forfatterens metaforiske underbevidsthed og en hentydning til det højtideligt sublime betegnelser på byinfrastrukturobjekter, der blev vedtaget i Sovjetunionen i 1960 -x: bibliotek - "Videnens tempel" og for eksempel biograf - "Spectacle Temple". Her bruger Brodsky den "realiserede metafor" -teknik. Foran os er faktisk templet og prototypen for alle templerne, men den betingede dokumentmappe på tegningen giver en betinget sovjetisk borger, repræsenteret i skikkelse af en mytisk væsen med en hundes hale, der gik ind i "Templet for generel velfærd "at drikke et glas øl.
I samme rum præsenteres også blyantskitser af betingede arkitektoniske facader og et antal objekter. Surrealismens æstetik bliver også let gættet i dem, og en af de mest mystiske genstande, der er afbildet, er måske en slags omskrivning af det mest citerede arbejde fra Rene Magritte.
Udstillingen er organiseret på en sådan måde, at blyantskitser viser sig at være skitser til Brodskys kunstgenstande, præsenteret på ovenstående etage. Dette er værker fra 2014, hvoraf de fleste blev oprettet specielt til udstillingen på Tchoban Museum. Facaderne i den unikke forfatters teknik med "lergrafik" henviser både til monumentalismen i den stalinistiske imperiums stil og til det kafkaeske slot, der ikke kan opnås inden for rammerne af menneskelig logik. Her er fortsættelsen af Brodskys hovedtema - spor efterladt af tiden. Nøglen til fortolkningen af disse værker og faktisk nøglen til udstillingen som helhed er to genstande lavet med sort blæk på en tagpap, der ligner et kort og en aksonometrisk model af et betinget arkæologisk sted. Lerfacaderne spækket med revner er således intet andet end tidligere artefakter af ler. Det var ikke uden ironi i postmodernismens ånd: bygning af tagpap er et populært materiale i sovjetisk dachakonstruktion.
I denne henseende er det interessant at huske de implementerede projekter af arkitekten Brodsky. De er ikke repræsenteret på udstillingen, men de er alle på samme måde underordnet ideen om at koncentrere sig om sporene fra deres forgængere. Det være sig pavillonen til vodka-ceremonier, bygget til Art-Klyazma-festivalen, Rotunda i Nikola-Lenivets eller restauranten Prichal 95 * nær Moskva, alle blev bygget ved hjælp af design af andre objekter, der engang eksisterede: vinduesrammer, døre, brædder.
Det er bemærkelsesværdigt, at udstillingen af Alexander Brodsky i Berlin faldt sammen med en anden udstilling med arkitekttegning på Martin-Groppius-Bau Museum: "VKHUTEMAS - det russiske laboratorium for modernitet" (gyldigt indtil den 6. april), der præsenterer utopiske tegninger af studerende fra VKHUTEMAS fra 1920'erne. Sovjetiske utopiske projekter fra 1920'erne og papirdesign fra 1980'erne er de to vigtigste fænomener for papirdesign fra det 20. århundrede, der kommer fra Rusland. Under forholdene for den hurtigt voksende økonomiske krise og monopolet på store arkitektoniske værksteder om design af næsten alle de mest betydningsfulde objekter er en ny runde med "på bordet" design uundgåelig. Måske kan de arkitektoniske tegninger og konceptprojekter i anden halvdel af 2010'erne en dag blive grundlaget for fremtidige museumsudstillinger.
Udstillingen er åben indtil 5. juni 2015.
