Udstillingen af fotografier og tegninger af arkitekten Maxim Atayants indtager en filade af Talyzins hus og trænger endda ind i trappen, hvor gipskopier af fragmenter af Parthenon-frisen, doneret efter en af de tidligere udstillinger, nu støder op til "portrætterne" "af marmormedusa fra Septimius Sever Forum i Leptis Magna (Nordafrika). Marmoren på fotografierne er så realistisk, og hovederne er så udtryksfulde, at man virkelig ønsker, at de, ligesom relieffer, forbliver her efter udstillingen - effekten er så holistisk.
Jeg må sige, at de arkitektoniske fotografier af Maxim Atayants er et materiale, der er meget passende i det indre af suiten. Ikke fordi det hænger godt, det er svært at skabe et strålende hængende i suiten, men fordi antikke hovedstæder, gesimser og entablaturer resonerer med de klassiske korintiske søjler, stuk og plafonds i Talyzin-paladset. Arkitekturen fra slutningen af det 18. - begyndelsen af det 19. århundrede, da dette palads blev bygget, er præget af særlig opmærksomhed mod antikken. Derefter studerede de antikken, og studerende, der var uddannet fra en uddannelsesinstitution med en grad i arkitektur, gik på en "pensioneringstur" - for at se på antikviteter og tegne dem fra naturen.
Oplevelsen af Maxim Atayants ligner netop sådan en tur med en række forskelle. Det er ikke en studerende, der tager på rejse, men en moden og berømt arkitekt; han går på egen hånd, på eget initiativ og for egen regning og laver derefter på eget initiativ en udstilling, udgiver et massivt og detaljeret katalog, skriver artikler med minder og indtryk til bladet Project Classic. Derfor provokerer udstillingen til at forstå det som et bevidst forsøg på at genoplive et sådant fænomen som en arkitektens tur til antikviteter.
Det virker endda lidt stiliseret som en rapport om en sådan tur - primært fordi den begynder med arkitektens tegninger - den første hal er dedikeret til dem, og dette blev sandsynligvis gjort med vilje for at demonstrere for seeren, der klatrede op ad trappen så de formidable ansigter af marmorgorgonerne, der foran ham - ikke bare en fotoudstilling, eller rettere, ikke kun den.
Tegningerne er meget smukke, delikate og dygtige. De er lavet i sepia-lignende brunt blæk med en penselvask, der får dem til at ligne akvareller. Nogle af de malede monumenter kan senere genkendes på fotografier. Alle billeder er detaljerede, men eftertrykkeligt ufærdige, og alle er dækket med indskrifter lavet over dem - flydende, men pæne, lagt i jævne linjer. Og endelig - alle er lavet på meget godt papir med en ru præget tekstur, ujævne kanter (som det skal være for en fakkel af høj kvalitet) og vandmærker. Når man ser på en sådan luksus, er det svært at slippe af med spørgsmålet - hvad står der foran os: rejsebeskrivelser lavet i en fart, hvor fotografering ikke var tilladt, eller dygtige stiliseringer til sådanne skitser?
Det virker logisk at se rejsebeskrivelser på stykker papir i et bur eller en stribe taget fra en slags notesbog. Konklusionen antyder sig selv - måske forsøger arkitekten at komme væk fra "billig" skitsering og derved demonstrere respekt for emnet? Dagens mestre bruger i stigende grad en tuschpenne eller endda en kuglepen - men klassikerne skal tegnes med en pen, en vask, på en fakkel. Selv i den libyske ørken. Der er en følelse af, at vi - i det mindste delvist - står over for en forestilling på temaet en "pension" -tur, der først spilles af forfatteren for sig selv og derefter vises til seeren i form af en udstilling.
Men hvis forestillingen er for sig selv, så er dens formål ikke kun en demonstration. Tilsyneladende er dette indtrængen i materialet og dets "mastering" på mange måder. Det hele starter med at overvinde afstanden og forskellige forhindringer forbundet med at rejse i Libyen og Mellemøsten. Derefter - muligheden for at se, komme rundt, røre ved. Så - tag et billede; tegne; skriv ned de tanker, der er opstået i processen med inspektion-tegning. I teorien kræves der ingen rejse nu for at skabe en kompetent facade med søjler. Et forsøg på at gå ud over grænserne for de berømte klassikere, at samle nyt materiale? Enkel beundring for det, du så? Genskabelse af en "ægte" beundrer af klassikerne? Under alle omstændigheder er alt dette i øjeblikket atypisk. Nu ser arkitekter i udlandet mere på Rem Koolhaas eller Zaha Hadid.
Så på den ene side er dette en iscenesættende udstilling, måske et forsøg på at prøve adfærd fra neoklassiske forgængere og på den anden side en forskningsudstilling, der demonstrerer materiale, der er ukendt i Moskva. Jeg må sige, dette er ikke den første udstilling af denne art - den første fandt sted for flere år siden, hvor den berømte kritiker og kunstkritiker, chefredaktør for Project Classic-magasinet Grigory Revzin viste sine fotografier taget på det samme ture til de hellenistiske og romerske monumenter. Faktisk begyndte Maxim Atayants sine rejser sammen med Grigory Revzin og kurator for den aktuelle udstilling, Doctor of Art History Vladimir Sedov. De skrev også indledende og afsluttende artikler i udstillingskataloget. Sådan venskab med kunstkritikere er heller ikke særlig typisk - sandsynligvis herfra kommer den distinkte smag af forskning, som man mærker på udstillingen. Det kombinerer interesserne hos en arkitekt, historiker og kunstner, og det viser sig meget holistisk.
I princippet er det klart, at mange monumenter (og ikke kun mesterværker) var genstand for opmærksomhed; det er indlysende, at alt, hvad vi kunne komme til, blev fotograferet; Naturligvis blev de smukkeste af de resulterende fotografier valgt til udstillingen. Billedet er ikke et mål i sig selv, men en måde at registrere, hvad han så - for forskeren og for arkitekten på samme tid. Og på samme tid er billederne åbenbart smukke, du kan beundre dem, og en særlig smag for beundring gives af forståelsen af, at det at komme til disse dejlige ruiner er, åh, hvor svært og ikke alle er bestemt til. Således er udstillingen af Maxim Atayants en sammensmeltning af forskning, dramatisering og den faktiske fotoudstilling.
Den anden udstilling, der finder sted i "Ruin Outbuilding", som som bekendt bevidst blev bevaret af museumsdirektøren i en forfalden tilstand til organisering af konceptudstillinger, har en lidt anden karakter - og alligevel er den meget bemærkelsesværdigt, at begge udstillinger fandt sted parallelt. Som om museet pludselig besluttede at alvorligt reflektere over emnet ruiner på global skala. Tilsyneladende opstår der tilfældigt en kæde af sammenligninger her: i slutningen af det 18. århundrede. Russiske arkitekter sluttede sig til den næste europæiske bølge i studiet af antikken, og herregårdsklassicisme opstod. Nu er godserne blevet til ruiner, de udstilles i ruinfløjen, og i mellemtiden rejser den moderne klassiker Maxim Atayants langs Middelhavskysten og studerer og reparerer de originale ruiner, hvorfra alt begyndte, og finder dem alle i samme tilstand. Romerske ruiner hører til evigheden, det ser ud til, at der ikke sker noget med dem - skønt det i virkeligheden ikke er tilfældet, sker Taliban og forskellige andre hændelser fra tid til anden, men det ser stadig ud til, at antikviteterne har oplevet meget og er i stand til for at overleve noget. Resterne af godserne venter tværtimod på, at de begynder at blive delt og gør noget med dem - enten for at gendanne (som jeg virkelig gerne vil have) eller bare for at udstyre ejerne til at smage - som du ved, på 1. januar ophævede Rusland et moratorium for privatisering af faste monumenter. Og i forventning om radikale ændringer (til det værre? Til det bedre?), Ser ruinerne af godset ud til at have frosset og prøver at virke antikke, det vil sige at bevæge sig ind i kategorien evighed.
Dette er, hvad der blev skrevet om i åbningsordene til udstillingen af fotografier med den mærkelige titel”Husmændene er her” og ligesom et link på Internettet og en indskrift på hegnet. Forfatterne af fotografierne, Sasha Manovtseva og Maksim Seregin, bestræber sig på at vise resterne af godset "tidløs storhed" - som det er skrevet i indledningen. Dette er sandsynligvis grunden til, at fotografierne er taget i sort og hvid og meget kontrasterende - for at skabe effekten af løsrivelse fra monumenterne, som er velkendte for mange. I alt er der 10 forstæder komplekser (Marfino, Bykovo, Otrada og andre berømte ensembler) og 5 nærliggende regioner, især mange fotografier af heste fra Ryazan Starozhilov stutteri. Effekten af løsrivelse opstår, og det må indrømmes, at det understøttes af det indre af "ruinerne", her har udsagnet udviklet sig ganske enkelt fantastisk.
Opgaven med den skabte effekt er ikke særlig klar - tilsyneladende er den rent æstetisk, nemlig fotografisk. Dette er lidt underligt, da det er kendt, at fotografierne er taget til en bog, der oprindeligt blev opfundet af Natalia Bondareva til fiksering. Fotograferingsprocessen blev hørt af kunstkritikeren Andrei Chekmarev og historikeren Alexei Slezkin, eksperter i monumenterne i den russiske provins, men i sidste ende var sagen begrænset til et løsrevet kig på de nærmeste monumenter. På åbningsdagen tog fotografer afstand fra kunstkritikere og sagde, at "tak for konsultationerne, men vi havde vores eget koncept …".
Så det viser sig, at hvis du går gennem to udstillinger i træk, at den ene bringer ruinerne af den romerske provins tættere på os, udforsker dem, viser dem i detaljer og smukt (ikke uden æstetik) til seeren - så du vil have at gå der og se, på trods af at det er langt. Og det andet - flytter Bykovo og Marfino væk, så det ser ud til, at de blev ødelagt for længe siden, og vi ser på fotografier fra andres gamle samling. Måske opstår denne kulde som reaktion på fjernelse af kunstkritikere? Der er ingen undersøgelser af herregårdsarkitektur her, men der er et ønske om at udtrække "forfatterens gestus" fra den. Gestus viste sig, men dens betydning er ikke særlig klar.
