Stepan Lipgart: "Det Er Rigtigt At Bøje Din Egen Linje"

2024 Forfatter: David Durham | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 02:30

En familie

Wikipedia skriver, at Lipgarts er en familie af Ostsee-adelen, kendt i Livonia siden det 16. århundrede, og i det 19. - 20. århundrede blev dette efternavn båret af kunstnere, ingeniører og ubådsdesignere. Hvilke af dem er dine forfædre?

Min mors forældre var fjerde fætre til hinanden, begge nee Lipgarts, efterkommere af de gamle efternavne til de baltiske tyskere, indvandrere fra Pernau (nu Pärnu, Estland), der engang virkelig havde titlen adel. Mine forfædre mistede det dog i begyndelsen af det 19. århundrede. Min bedstemors bedstefar, Ernest Lipgart, ingeniør med uddannelse, arvede fra sin far en stor virksomhed, der beskæftiger sig med produktion af cement og landbrugsmaskiner. Hans søn Voldemar (Vladimir) studerede for at være arkitekt, men foretrak en kunstners sti. Hans skæbne var tragisk, i slutningen af 1930'erne "forsvandt han": som det viste sig i de senere år, blev han skudt på Butovo træningsplads. Min bedstemor, også en kunstner, blev eksileret fra Moskva til Karaganda i begyndelsen af krigen som tysker.

Min bedstefars far, ingeniør Andrei Aleksandrovich Lipgart, er en repræsentant for en anden familiegren, lederen af en stor og stærk familie, en enestående personlighed. I 1933 blev han chefdesigner for Gorky Automobile Plant, hvor han i løbet af næsten tyve år skabte snesevis af modeller af biludstyr. Andrei Alexandrovichs fortjenester og præstationer blev hovedsagelig anerkendt i sovjettiden, derfor var hans autoritet for eksempel nok til at redde en fjern slægtning, min bedstemor, fra eksil. Sådan fandt deres bekendtskab med min bedstefar sted.

Min oldefars privilegier i 1950'erne: et stort landsted og en lejlighed i en stalinistisk skyskraber blev til rum, hvor den bedste del af min barndom også blev brugt. Den festlige atmosfære af familiemøder - højtidelig, men også oprigtig, der fandt sted i en lys lejlighed med højt til loftet, rig stukstøbning, paneldøre, hvorfra julemanden uvægerligt dukkede op på nytår - blev tilsyneladende et indtryk, der bestemte min kunstneriske smag og æstetiske præferencer i årevis …

Hvad har påvirket din beslutning om at blive arkitekt udover ingeniørvidenskab og kunstnerisk genetik?

Det ser ud til, at en arkitekt ikke er tilfældig - et erhverv, der ofte arves. I mit tilfælde er min mors indflydelse utvivlsomt, der, selvom hun har været engageret hele sit liv ikke i praktisk arkitektur, men i teorien, men fra den tidlige barndom forklarede, at vores erhverv er det bedste, universelle i det - kreativitet, tanke og skønhed og Moskva arkitektoniske - et sted af sjælden nåde.

Kald

Hvilken af lærerne på MARCHI er vigtig for dig at huske? Hvem inspirerede dig, hvem startede du med?

Jeg husker med ærefrygt og taknemmelighed mine to lærere, som nu er død. Da jeg kom ind på instituttet, var jeg straks meget heldig: min lærer i de første to år var Konstantin Vladimirovich Kudryashov. En mand med et stort hjerte og stor charme, en strålende tidsplan - jeg husker med hvilken misundelse vi så, hvordan klare, livlige linjer af mesterlige skitser kom ud under hans hånd. Naturens bredde ser ud til at være legemliggjort i emnerne i hans tegninger: jagt på hunde, som han elskede meget, gamle våben, heste, skibe, sejl … Tilsyneladende svarede arkitektoniske præferencer til denne romantiske, lidt nostalgiske opfattelse. af verden: han talte om Venturi med stor respekt, Aldo Rossi. Generelt var postmodernisme ifølge Kudryashov noget godt. Der var ikke noget negativt fra hans side også i forhold til den stalinistiske arkitektur, tværtimod i den allerførste praktiske lektion, der fandt sted uden for instituttet, idet han benyttede denne lejlighed, Konstantin Vladimirovich henledte vores opmærksomhed på huset med arkitektens troværdigheder. Rybitsky, som på Zemlyanoy Val, svarede om denne arkitektur som høj kvalitet og signifikant. Måske er det grunden til, at ordreelementerne og kompositionerne, hvis undersøgelse var grundlaget for det første årsprogram, uden en anden tanke lavede min metode i de første skoleprojekter i andet studieår. Kudryashov blandede sig ikke ind i dette, brød ikke, men i slutningen af det andet år advarede han: "Du har et ønske om ordrearkitektur, prøv at bevæge dig væk fra det næste år."

Advaret om, at der kan være problemer?

Jeg sagde det ikke direkte, men jeg sagde det sådan. Generelt fra min tredje til femte år var min uddannelse i arkitektonisk design temmelig mærkelig. Under alle omstændigheder syntes hovedprincippet - at kopiere udenlandske magasiner med projekter, der ligner emnet og derefter gengive de fundne ideer og teknikker i dit projekt - for mig at være stort set meningsløst. Samtidig blev lidenskaben for klassisk arkitektur, arven fra Sovjet 1930-50'erne, mere og mere bevidst og dyb. Jeg husker, hvordan jeg på dette tidspunkt kom til at tale med Kudryashov og klagede, siger de, at det moderne ikke inspirerer, hvilket jeg fik svaret på: hvis du føler at du har ret, skal du kæmpe "med akser."

Selvfølgelig var først dette "på akser" fyldt med lave karakterer og en absolut misforståelse hos lærerne, men senere forenede de sig imidlertid med den vidunderlige afhængighed af en uagtsom studerende, hvilket efterlod mig muligheden for at gryderet i min egen juice.

I det sjette år var det tid til at vælge en diplomvejleder, og så var der en anden heldig chance - jeg kom ind i gruppen af Vladimir Vladimirovich Khodnev. Afgangsåret var absolut lykkeligt; de tidligere læreres formelle tilgang blev erstattet af en slags berusende frihed til kreativitet og selvudfoldelse. Det viste sig, at det er rigtigt at bøje din linje, men hvad sjælen ligger i er værdifuldt og vigtigt. Lærerens følsomhed og opmærksomhed, som jeg husker med stor taknemmelighed, gjorde det muligt for mig at forstå og lære meget. Ved udgangen viste sig eksamensbeviset at være lyst, jeg vil sige chokerende, måske naiv, et sted latterligt, men virkelig mit. Jeg må sige, at Iofans børn dukkede op i samme år, hvor Khodnev forresten støttede mig meget. Det var en god tid - vi troede på os selv.

Gruppen "Children of Iofan" lavede et stænk. Det blev værdsat af repræsentanter for alle retninger. Hvordan er det sket?

22 år er sandsynligvis en lykkelig tid for næsten alle: ungdommens hektiske energi, entusiasme uden hensyn til penge, omdømme, forbindelser. I foråret 2006 mødtes vi og blev venner med Boris Kondakov. Jeg husker vores første samtale: - "Hvordan har du det med Sovjetpaladset?" "Det er en skam … en skam, det ikke blev bygget." Det var adgangskoden, der indtil videre bestemte en sjælden ligesindet. Vi begyndte at arbejde sammen, selvfølgelig var der ingen tale om nogen form for handel. Boris kunstneriske talent og min arkitektoniske vision blev legemliggjort i konkurrencedygtige projekter, i kunstgenstande, og vi arbejdede derefter sammen om det førnævnte eksamensbevis, der befolket det imaginære Moskva i 2006 med mennesker fra malerierne fra Deineka og Samokhvalov. En stor rolle i vores biografi blev spillet af byfestivalerne, som blev arrangeret af Ivan Ovchinnikov og Andrey Asadov. Gør-det-selv udendørs installationer var den første mulighed for at teste rumlige ideer i naturen. For første gang deltog vi i en begivenhed kaldet "Childhood City", i denne by byggede vi et objekt, der lignede propagandastrukturer fra 1930'erne - "Red Stand", mens holdet blev erklæret konsonant med temaet af festivalen - "Children of Iofan".

De brændende og modstridende trediver, som Iofans projekt markerede vendingen til, kom i resonans med deres egne oplevelser fra ungdommen, tørstende efter handling og forandring. I modsætning til kaoset og kaoset i Luzhkovs Moskva forsøgte vi at præsentere et andet Moskva, som det blev udtænkt i den generelle plan for 1935. I timevis gik vi på jagt efter fragmenter fra den by: røde linjer, retninger, ufærdige komplekser, der løste det som et rebus, forestillede os et helt og slankt ensemble bestående af arkitektur af høj kvalitet, skabt af afdøde mestre, hvoraf nogle navne vækkede ærefrygt: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

• 

  

  1/5 Installation: Tank "Blomster til faldne". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Installation: Tank "Blomster til faldne". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Installation: Tank "Blomster til faldne". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Installation: Tank "Blomster til faldne". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Installation: "Aeronautics system - et værktøj til at øge Moskvas rekreative komfort". Arkitekturgruppe "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

Hvilken skandale skete der med Tom Maine?

Ja, faktisk var der ingen skandale, men selv uden den påvirkede hændelsen mig meget. Foredraget fra grundlæggeren af Morphosis-gruppen, derpå, i mit tredje år, forårsagede en enorm opstandelse: næsten hele Moskvas arkitektoniske institut dukkede op i den snehvide Vlasov-hall i det centrale hus for kunstnere. Maines kreativitet er lys, spændende, alle disse revne, svævende, nedbrydende volumener kunne ikke efterlade ligeglade. Så syntes alt, hvad han demonstrerede, forfærdeligt, ikke organisk, blottet for logik og vigtigst af alt anti-menneske. Efter at have taget mit mod, spurgte jeg efter foredraget et spørgsmål, siger de, men hvad med mennesker? Jeg var imponeret over, at Maine ikke engang forstod, hvad jeg mener i starten. Hans svar relateret til designteknologi, han talte meget om dette under foredraget, siger de, computeren er bare et værktøj, og folk, det vil sige arkitekter, er skabere, forfattere. Jeg fik aldrig svar på brugerne af hans bygninger. Uanset hvad det var, virkede enhver moderne arkitektonisk form efter dette foredrag mig unaturlig i lang tid.

Det mindede mig om, hvordan komponisten Arvo Pärt på et tidspunkt brød med avantgarde, fordi han ikke kunne sige på dette sprog, hvad han ville sige. Du er blevet spurgt mange gange, hvorfor du valgte 1930'erne som din inspirationskilde, men jeg beder dig stadig om at forklare din holdning til denne arkitektur

Ifølge mine følelser nåede arkitekturen i det russiske imperium, først og fremmest i hovedstaden, i begyndelsen af det 20. århundrede til verdensniveau, og hvis vi ikke sammenligner det med de daværende kulturcentre - Frankrig, Østrig-Ungarn, men for eksempel med Italien, så overgik det. Tag bygningerne i Rom ved århundredskiftet, dette er en solid, godt tegnet, men stadig meget sekundær arkitektur: en gengivelse af renæssancen, absurde kompositioner med temaet antikken eller efter samme franske måde.

Skt. Petersborg i sølvalderen, tiden for Benoit og Lidval, er stadig fokus for højtstående fagfolk, mestre i arkitektur. Lad os huske opførelsen af Marian Peretyatkovich, Wawelberg-huset på Nevsky Prospekt, et strålende værk, en virtuos syntese af en florentinsk palazzo og det nordlige jugendstil eller de følelsesmæssige opus af den unge Belogrud, fyldt med en vag energi af forventning, forventninger af chok og forandring.

Da disse chok opstod i 1917, sluttede de fleste arkitekter af den ældre generation sig med til opførelsen af det nye land, og deres elever, en galakse af fremragende arkitekter, der studerede på tærsklen til revolutionen og i de første år efter, sluttede sig til med endnu større iver: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson og mange andre. Det handler ikke kun om Skt. Petersborg-akademiet, fordi grundlæggerne af Moskvas konstruktivisme, Alexander og Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, er fagfolk på den gamle skole.

Uanset hvor paradoksalt det måtte lyde, beregnede begyndelsen af 1930'erne i nogen tid sovjetisk arkitektur: i flere år eksisterede både avantgarde og klassicistiske begreber. Mestrene på den gamle skole fik muligheden for at "færdiggøre skrivningen" af nyklassicismen, der startede i 1910'erne for fuldt ud at overføre deres viden og erfaring til en ny generation af bemærkelsesværdige arkitekter: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Kort sagt, efter min forståelse er sovjetisk arkitektur før krigen et fænomen i meget betydelig skala, rig på ideer og ambitioner, der arver høj kvalitet fra tidligere epoker.

• 

  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. Sankt Petersborg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  2/3 Arch M. Peretyatkovich. House of Wawelberg på B. Morskaya. Sankt Petersborg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Huse på Ivanovskaya Street i Skt. Petersborg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Så dit motiv for 1930'erne er at appellere til høj kvalitet

Jeg er fascineret af det tids kunstneriske potentiale, sandsynligvis som en af formerne for høj kvalitet.

Hvad er dit yndlingsarkitektur?

Der er en stor fristelse nu til at huske noget fra den førnævnte Skt. Petersborgs sølvalder, men af hensyn til klarheden vil jeg nævne bygningen, der blev bygget i 1930'erne, det gjorde virkelig et overvældende indtryk på mig. Til den internationale udstilling fra 1937 rejste Frankrig blandt andet to store udstillingskomplekser, jeg vil gerne nævne et af dem - Palais de Tokyo. Slottets arkitektur ligger tæt på både Mussolini-stil og sovjetiske modeller, primært Lenin-biblioteket. Imidlertid er bygningens stramme monumentale udseende væsentligt blødgjort både af maleriet af en klar volumetrisk komposition og af den sensuelle plasticitet af skulpturen, der fylder rummene nær paladsfacaderne. Jeg tror Palais de Tokyo's følelser, helt blottet for den "totalitære" arkitekturs officielle domæne, men selv som det ser ud til at antyde en vis grad af intimitet, skyldes det, at paladset alligevel blev bygget i en land med borgerligt demokrati.

For mig er der et bestemt kriterium med den højeste arkitektoniske kvalitet: Når en storstilet bygning er så perfekt, integreret, harmonisk, at byrummet, der er påvirket af dets arkitektur, opfattes som en verden af jordisk skønhed, som er mærkbart anderledes end de smukke ensembler i den omkringliggende by. I Skt. Petersborg vækkes en sådan følelse af kolonnaderne i Kazan-katedralen i Paris - af Palais de Tokyo. I sidstnævntes verden triumferer proportioner og linje, ånd og vilje, fyrig kærlighed, præget i sten.

• 

  1/3 Palais de Tokyo på verdensudstillingen i Paris. 1937

• 

  2/3 Palais de Tokyo på verdensudstillingen i Paris. 1937

• 

  3/3 Palais de Tokyo i Paris. Fragment. © Stepan Lipgart

I hvilke konkurrencer og udstillinger har du deltaget, med hvilke værker? Hvad er priserne?

I 2017, i Moskva og derefter i Skt. Petersborg, var der to af mine personlige udstillinger ("Den syttende utopi" og "Søg efter en helt"), som jeg er meget taknemmelig for henholdsvis deres kuratorer, Alexandra Selivanova og Lyusa Malkis. Men med særlig varme husker jeg vores udstilling med den strålende titel "Fremad til 30'erne!" på Arkitekturmuseet, der åbnede i efteråret 2008. Hendes forberedelse minder noget om en anden byfestival. Der var meget få penge, men mange venner klar til at hjælpe, ideer og min egen styrke i ubegrænsede mængder. Kuratoren var min ven, kunstkritiker Masha Sedova.

Og nu i to og en halv måned bosatte vi os i et lille samfund, var engageret i konstruktion af modeller, udstillingsinstallationer, produktion af plakater og andet udstillingsmateriale. Resultatet ser ud til at være virkelig lyst, under alle omstændigheder henledte den specielle gæst på udstillingen, Grigory Revzin, sig opmærksom på børnene til Iofan.

Hvad angår konkurrencerne lykkedes det os tilsyneladende på grund af det specifikke ved temaet for vores arbejde ikke her for meget, men vi stræbte ikke efter at få succes, der er et par ARCHIWOOD-priser, men jeg tror, dette kan tilskrives til en undtagelse fra reglen.

• 

  

  1/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  2/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  3/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  4/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  5/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

• 

  6/6 Installation "Pillars of OSVOD", vinder af ARCHIWOOD-2012-prisen Arkitekturgruppe "Children of Iofan"

Hvad er dine indtryk af at arbejde i studiet af Mikhail Filippov?

Efter min forståelse er Mikhail Anatolyevich en strålende kunstner, og hans vision om arkitektur forudsætter en virkelighedskvalitet, der er uopnåelig i dag: social, kulturel, teknologisk. For at Filippovs arkitektur i fuld lyd kan blive en del af den materielle verden, er der for meget at ændre i verden til at huske meget. Denne idé skræmmer og skuffer mig, men det ser ud til, at en person, endda uendeligt talentfuld, ikke kan gøre det. Jeg arbejdede i Mikhail Filippov Workshop i et år i alt, jeg er glad for, at jeg kender mesteren, jeg er taknemmelig for hans arbejde.

Øve sig

I en alder af 30 begyndte du at designe store boligkomplekser i Skt. Petersborg. Hus "renæssance" på gaden. Dybenko er allerede delvist bygget, "Petite France" på den 20. linje på Vasilievsky Island er ved at blive bygget. Få mennesker formår at få sådanne ordrer i denne alder. Hvad er hemmeligheden?

For et par måneder siden talte vi med Aleksey Komov, og han definerede især denne situation som følger:”Der er din position som en mester, en vækkelsesmand. Der er din verden, hvor du bor uden at gøre forskel på papir og rigtige projekter, og kunder på højeste niveau, tilstedeværelsen af denne verden, fastheden i kunstnerisk overbevisning, føler og ønsker at deltage. Og da dette er en storstilet verden, viser projekterne sig at være store: boligbygninger og fabrikker og ikke private huse og ikke interiører."

Det lyder meget højt, rosende, på den anden side er det underligt at afskrive nogle begivenheder i livet med en blind chance. Jeg husker, at jeg i en alder af tredive år, da jeg valgte materiale til Arch-Moscow, reviderede mine mange billeder: papir, konkurrenceprojekter, fotografier af installationer, og der var en følelse af, at nok billeder og ideer var samlet, så de på en eller anden måde brød igennem, kom ud i den virkelige verden. Så det skete snart. Naturligvis spillede tidligere bekendte en rolle: Grigory Revzin førte mig sammen med Kusnirovich, Maxim Atayants, som er et eksempel for mig professionelt og moralsk, lettede et møde med en St. Petersburg-udvikler.

Fortæl os om enheden og metoderne i Liphart Architects-værkstedet?

Jeg ser min hovedopgave i at arbejde med henholdsvis et arkitektonisk billede, alt er bygget på en sådan måde, at det løses med maksimal effektivitet, men med et minimumsteam. Værkstedet er meget lille, op til fem personer, det beskæftiger sig næsten udelukkende med skitsedesign. Jeg foretrækker at tegne bygningens ydre med min egen hånd fra den første blyantlinie til den sidste centimeter af den endelige computermodel af facaden. Jeg delegerer resten af arbejdet til mine kolleger. Projektet og arbejdsdokumentationen er udviklet af eksterne designere, vi deltager i processen som en del af designerens tilsyn.

Det første hus i Skt. Petersborg,

Boligkompleks "renæssance" malede jeg i henhold til de givne layouts. Selvfølgelig ændrede designerne og justerede dem i processen, mine beslutninger blev også transformeret, men i sidste ende skal det bemærkes, at implementeringen er meget tæt på den oprindelige idé. Kundens installation påvirkede også: skift arkitekturen i sidste ende, bygg som den er tegnet.

• 

  1/6 Udsigt fra sydøst til rotunden. Boligkompleks "Renæssance" © Liphart Architects

• 

  2/6 Renæssance boligkompleks Visualisering © Liphart Architects

• 

  3/6 Boligkompleks "Renæssance" Foto © AAG

• 

  4/6 Projekt af boligkomplekset "Renæssance" på Dybenko street, Skt. Petersborg, siden 2015Computergrafik Under opførelse Kunde: investerings- og byggeri AAG © Stepan Lipgart

• 

  5/6 Udsigt fra sydøst, aftenbelysning. Boligkompleks "Renæssance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Med tilladelse fra Liphart Architects

• 

  6/6 Nordfacadevisning, aftenbelysning. Boligkompleks "Renæssance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Med tilladelse fra Liphart Architects

I tilfældet med det såkaldte "Lille Frankrig" - vores første hus i byens historiske centrum - havde jeg mere manøvredygtighed: volumen og antal etager blev indstillet, en række generelle ideer med lejlighedsformater, alt ellers blev besluttet på baggrund af det ydre udseende, jeg havde opfundet. Udformningen af dette objekt faldt sammen med min flytning til Skt. Petersborg, så det blev tegnet med stor følelse med en slags neofytglød, værkerne af Lidval og Klenze, som jeg virkelig opdagede for mig selv dengang, havde stor indflydelse på dets arkitektur.

• 

  1/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  2/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  3/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  4/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  5/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  6/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

• 

  7/7 RC "Lille Frankrig". 20. linje på Vasilievsky Island. Skt. Petersborg © Liphart Architects

En række Skt. Petersborg-projekter, som vi i øjeblikket arbejder på på et eller andet tidspunkt: boligbygninger på Magnitogorskaya Street, Malokhtinsky Prospect, ved Black River-dæmningen - er designet på en lignende måde. Huset på den 12. linje på Vasilievsky Island er meget komplekst i konfiguration, tæt, det blev tegnet i seks måneder. Måske blev den største indsats investeret i dette objekt, jeg håber virkelig på dets implementering.

Den "gør som tegnet" tankegang for designere opstod, fordi kunderne var dine allierede. Føler kunderne skønheden?

Det forekommer mig, at evnen til at se det smukke er en gave, der gives til alle fra fødslen; det er en anden sag, at livsforhold, miljø, fordomme kan tage denne gave fra en person eller under alle omstændigheder forårsage ham alvorlig skade. Nogle gange ser det ud til, at i det nuværende Rusland, der har lidt i det forløbne århundrede, har flertallet glemt, hvordan man ikke kun skal øge skønheden, men endda skelne den fra det grimme. Jo mere vidunderligt er mødet med ambitionen om at skabe det æstetiske. Efter min mening har både Alexander Zavyalov, ejeren af St. Petersburg-udviklerfirmaet, og Mikhail Kusnirovich en sådan ambition.

• 

  1/7 Udsigt over de administrative faciliteter og produktionsbygninger fra sydvest. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  2/7 Udsigt over den administrative bygning fra sydøst. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  3/7 Trappe foran, fragment. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  4/7 Fragment af den vestlige facade af den administrative bygning. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  5/7 Hall på 1. sal med Winter Garden_fragment. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  6/7 Generelt billede af stoppestedet sydfra. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

• 

  7/7 Den sydlige facade af den administrative og rekreative bygning, fragment. Beklædningsfabrik "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / leveret af Stepan Lipgart

Yderligere begynder selvfølgelig kundens smagspreferencer at spille en rolle, og jeg må sige, at de ændrer sig over tid fra fuldstændig sammenfald med min til fuldstændig misforståelse. I de første projekter med Zavyalov blev f.eks. Orden, klassisk arkitektur accepteret med et brag, og vi talte det samme sprog, men nu og mere er opgaven udført i henhold til det princip, der er kendt fra instituttets år: "Gør mig som På dette bilede." Her opstår spørgsmålet ufrivilligt, i hvilket omfang er jeg klar til et kompromis. Generelt er der en vis skuffelse i erhvervet efter de første års praktiske arbejde. Indtil videre er det virkelig vigtige og værdifulde opnået i papirprojekter, ikke i implementering.

Papirprojekter

For mere end to år siden nævnte jeg i en kommentar til archi.ru, at det vigtigste emne, der interesserer mig, er de uløste modsætninger, der ligger i den russiske kultur og historie, som manifesterede sig særligt stærkt i 1930'erne. Maskinens kollision med det traditionelle og menneskeskabte. Linjen med heroisk Petersborgarkitektur, der er legemliggjort både i art deco fra Levinson og Trotsky og i den dystre arkaiske af Belogrud og Bubyr, og endnu tidligere i generalstabens bue og monumentet til Peter. En linje af belastet impuls, overvundet, forbundet med byens natur, som flere gange har været udsat for voldelig europæisering.

I dine værker fornægter ordrearkitektur og teknologi ikke hinanden, men tværtimod beriger hinanden: art deco og reaktor, art deco og raket … Hvilket papirprojekt er dig mest kære og hvorfor?

Serien "At the Reactor" er en personlig dedikation, den inkarnerer billedet af en atomreaktor som en kraft, der varmer denne verden, men også truer med at ødelægge den. Denne energi har en lighed med menneskelig lidenskab. Stationen er som et tempel, og temaet for guddommeliggørelse af bilen er også til stede her.

• 

  1/5-serien "At the Reactor" 2014 Computer graphics Paper-projekt © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Series "At the Reactor" 2014 Computer graphics Paper-projekt © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Finlyandsky Station 2014 Computergrafik Papirprojekt © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Projekt til forbedring og genopbygning af Neskuchny Sad-parkens område. Scene 2011-2012 Computergrafik Ikke implementeret Kunde: Bosco-koncernen © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Projekt til forbedring og genopbygning af Neskuchny Garden-parkens område. Drivhus 2011-2012 Computergrafik Ikke implementeret Kunde: Bosco-koncernen © Stepan Lipgart

Jeg kan godt huske, hvordan plottet for det arbejde, jeg kalder "Arc de Triomphe", opstod. Dagen før havde jeg en inspirerende samtale, hvor samtalepartneren opfordrede til et billedmanifest, min idé om fremtiden. Tilsyneladende fandt han de rigtige ord, billedet blev født på et øjeblik: en dristig raket, klar til at bryde af i empirisme, indrammet af en gigantisk arkitektonisk form. Erobringen af det ydre rum muliggjort af et teknologisk gennembrud og dynamiske linjer, der lyder i harmoni med denne bevægelse og bærer stempel på meningsfuld Art Deco.

På udstillingen i Moskva var der projekter af ret æstetiske art deco-villaer. En villa er billedet af en privat person. Hvilken slags person er dette, med hvilke egenskaber?

Det er interessant, at hvert projekt er et tilbud til en bestemt kunde, men ingen af dem besluttede at bygge deres hus i sådanne former. Det ser ud til, at Maxim Atayants gav en ret nøjagtig beskrivelse, idet han bemærkede, at det ikke er private huse, men udstillingspavilloner til udstilling af kunden og hans hverdag. Ja, måske er den understregede repræsentativitet, monumentalitet og arkitektur højtidelighed ikke ensbetydende med privatlivets fred, komfort, rolig strøm af dage. Billedet af dette hus udfordrer dets beboer, og han skal først og fremmest svare til ham æstetisk, men ikke kun. Her kommer vi tæt på temaet for den ekstraordinære personlighed, helten.

• 

  1/4 Projekt "Winged Villa" 2016 Computergrafik Ikke implementeret Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  2/4 Villaens projekt "Akropolis Litorinum" 2015 Computergrafik Leningrad-regionen, Vyborgsky-distriktet Ikke implementeret Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  3/4 Projekt "Villa ITR", 2011 Computergrafik Moskva-regionen, Chekhovsky-distriktet Ikke implementeret Privat kunde © Stepan Lipgart

• 

  4/4 Villa-projekt "Pavillon Lecayet", 2015Computergrafik Moskva-regionen. Ikke implementeret Privat kunde © Stepan Lipgart

Metafysik

Hvad er forskellen mellem dit begreb om en helt og en romantisk helt fra det 19. århundrede, der går i kamp med skæbnen og modsætter sig mængden; fra superman og demiurge af avantgarde; fra en libertianer fra det tyvende århundrede?

Jeg husker, at jeg læste i Khan-Magomedov, at Ivan Leonidov, da han skabte sin "Solens by", næppe var fortrolig med teksten i Tommaso Campanella. Hans utopiske konstruktivisme gav et billede af en lys fremtid, og plot af Sun City var i overensstemmelse med hans følelser. Det er værd at straks bestemme, at mit “heltebegreb” heller ikke har tilstrækkelig filosofisk dybde, bag det er der ingen lange tekster, forskning, forsøg på at teste mine egne gætter empirisk. Det vigtigste her er din egen intuition, oplevelsen af visse følelser, ophøjelse. Og den mest succesrige måde for den berygtede søgen efter helten er at observere den kunstneriske udstilling af menneskelig skønhed. Det mest oplagte eksempel er et portræt af renæssancen, ophøjende, guddommeliggørelse af menneskets natur. Men endnu tættere på idealet er de lærreder, hvor det himmelske lys kommer i konflikt med den mørke side af menneskets natur. Det var et frisk, stærkt indtryk for mig at se værkerne fra Parmigianino og Bronzino leve, der er ingen let fred i renæssanceharmonien i dem, tværtimod den gennemtrængende kulde af upåklagelige træk, den skrøbelige balance mellem Apollonian og Dionysian, hvilket antyder svar, mod, sjælens arbejde.

I Scriabins guddommelige symfoni skaber helte-demiurgen en verden ud af ingenting. Godkæmpende koncept giver meget smuk musik, men det er etisk på grænsen. Din helt - hvem er han?

Helten er det midterste trin mellem en person med sine svagheder og laster og det højeste princip. Helten er ikke en, der mirakuløst er udstyret med guddommelige evner, men som stræber med sin ånds styrke, sin egen sjæl, til det højeste, ideelle, både moralsk og i form af fysisk skønhed.

Men en kunstner er en helt i det øjeblik, hvor han skaber noget. Manifestationen af skønhed i et værk er altid et mirakel og dristighed. Tilbage til 1930'erne er både skaberne og deres billeder heroiske der. Arkitekter byggede, og komponister skrev og risikerede deres liv. I 1938 sad Shostakovich hver nat i trappeopgangen i sit hus med en kuffert og ventede på anholdelse, fordi hans ven, marskal Tukhachevsky, var blevet skudt. Shostakovich er blevet jagtet på tryk siden begyndelsen af 1930'erne. Imidlertid skrev han i 1937 den 5. symfoni, hvori ifølge Pasternak "sagde han alt, og intet skete med ham." Helten i denne musik dør i kampen mod en helvedes totalitær maskine

I trediverne blev der gjort et ultimativt forsøg på at udholde det heroiske, demiurgiske i det maksimale omfang - Det Tredje Rige. Et forsøg på at ændre, at fordreje den universelle menneskelige moral, at skabe en ny person, et nyt samfund, en ny by. Kulten af en helt, der har fanget titusinder af millioner. Resultatet er uhyrligt, og set fra etisk, humanistisk synspunkt er det ikke underlagt nogen begrundelse. Det skal huskes, at linjen er virkelig tynd her.

Ja. Fordi midlerne er uhyrlige, og midlerne er det vigtigste. Ja, der var et uhyrligt mål

Er andre midler mulige? Tag ridderskab - det er forbundet med vold og mord, og på samme tid huser alle de majestætiske mure fra middelalderlige slotte og kulten af en smuk dame.

Jeg er uenig i, at det heroiske koncept er forbundet med vold, måske med at konfrontere vold og overvinde sig selv. Hvis vi forene livet med en lodret dimension, så taler vi om en helt, der ofrer sig selv for andre mennesker

Forresten blev offer også fremmet i det nazistiske samfund. Som et resultat er der allerede en opfattelse i det moderne Tyskland, at forfølgelsen af selvværdig skønhed kan sidestilles med nazismen.

Dette er en fejltagelse. Kunstneren skaber en form, det er en dominerende gestus på en måde totalitær, men kunsten er et område, hvor hierarki er gavnligt. Postmodernisme forsøgte at dekonstruere denne gest, og det kunstneriske resultat er ikke særlig overbevisende. Sølvalderen balancerede på randen af kunst og livsopbygning. Han skabte skønhed, men forblev inden for det kunstneriske felt og gik ikke længere (mere præcist, digtere og kunstnere eksperimenterede med alle mulige uanstændige kulter, som vi kender fra Alexander Benois erindringer, men dette var deres private affære). Lenin er ikke sølvalderen

Men kunstnerne samlede disse skyer på tærsklen til dramaet i 1917 og kaldte og hungrede efter dem. Hvad er torden og lyn? Dette er noget ukontrollerbart. Scriabin havde naturligvis en anden ide om udseendet af en ny mand, det er klart, at han ikke var kommissær med en Mauser og ikke et brutalt angrebsfly. Leningrad-blokaden som realisering af sølvalderens mest forfærdelige drømme ligger i følelsen af overmenneskelighed og offer i disse tusmørke kolde fornemmelser indeholdt i Belogrudov-husene. De havde allerede en forudanelse om en forestående tragedie, en forudanelse om det arkaiske, der dukkede op i billedet af Stalin fra de mørkeste dybder. Ved at skærpe temaet ser jeg billedet af helten i billedhuggerne Josef Torak og Arno Brecker. Frækheden der læner sig bestemt mod den mørke natur, men den er imponerende.

Det samme gjorde vovemod fra mange 20. århundrede libertariske kunstnere. Wright, Sullivan, Scriabin var Nietzscheans. Men de forstod Nietzsche på en vulgær måde. Nietzsche, da han sagde sin sætning om Guds død, betød at en person er ophørt med at vende sig til himlen, er ophørt med at være i stand til taksigelse og tilpasse sine handlinger til Gud. Folk styrede den resulterende frie energi for at nå deres mål og opnåede meget. Men den faldne menneskelige natur manifesterede sig i al sin herlighed

Faldet menneskelig natur manifesterer sig i fuld vækst i dag. Det er en skam, at disse skærme ikke har nogen kunstnerisk værdi.

Ja. Men folk forstod nogle ting. Verden har besejret fascismen, og balancen opretholdes stadig, omend med vanskeligheder. Albert Schweitzer sagde, at efter at have opfundet atombomben, dvs. at blive supermagt, blev mennesket ikke superintelligent. Måske er helten en superintelligent person. Naturligvis ikke i form af forsigtighed, men tværtimod i hensynsløshed, evnen til barmhjertighed, ofring. Helgenen er en helt og supermand. Vi har værdier, som vi ikke vil miste. Hvis vi taler om arkitektur, er en europæisk historisk by en værdi, og arkitekturen fra 1930'erne er en organisk del af den

Ja, men der var også en ny kvalitet i hende. Når jeg vendte tilbage til mit parisiske indtryk, var besøget meget kort og koncentreret: på otte timer gik jeg fra Pantheon til Trocadero efter at have formået at besøge Louvre. Den store by forbløffer med sin skala, rigdom af facader lavet af natursten, feje af veje, pragt af store paladser, og alligevel, da jeg kom ud til bygningerne i Paris-udstillingen, kunne jeg ikke lade være med at føle en anden dimension, en anden grad af betydning, et billede af fremtiden, som aldrig kom, fordi menneskets destruktive natur derefter sejrede over den kreative.