Det parallelle program for XIV-arkitekturbiennalen i Venedig omfattede en udstilling, der synes at have intet at gøre med arkitekturkunsten. Dette refererer til udstillingen "På den anden side af den røde dør" af den førende skikkelse af den uofficielle kunst fra Sovjetunionen Mikhail Roginsky. Hans værker fra 1978-2001, perioden med den parisiske emigration, blev bragt af Mikhail Roginsky Foundation og i artibus ledet af skytshelgen Inna Bazhenova. Udstillingen blev udarbejdet i samarbejde med mesterens enke Liana Shelia-Roginskaya.
Hvorfor er en maler på Arkitekturbiennalen? Det er ikke så simpelt. Udstillingskurator Elena Rudenko forklarede, at Roginskys strategi om at bryde verden op i præ-elementer (dør, bord, hylde, stol, badekar, flaske) er helt i overensstemmelse med ideen om Fundamentals, som blev formuleret af kuratoren for Biennale Rem Koolhaas og fastslog retningen festivalens hovedudstilling.
Som vi husker kaldes hovedudstillingen i den centrale pavillon i Giardini Elements of Architecture. Hun præsenterer et bestemt katalog over moduler, hvorfra bygningen er samlet: loft, vindue, gulv, altan, badeværelse, dør osv. Udstillingen er bemærkelsesværdig som et eksempel på arkitektonisk propedeutik, en tredimensionel lærebog til undervisning i alfabetet i arkitektoniske former. Encyclopediske artikler, der ledsager demonstrationen af prøver af tage og toiletter, kunne blive grundlaget for abstrakterne af nogle nysgerrige unge mænd og kvinder fra arkitekthøjskoler og universiteter. Problemet er, at der ved kommunikation med denne encyklopædi af elementer ikke er nogen personlig følelse og forfatterens tale fra kunstner-skaberen. Roginskys redegørelse løser dette problem. Han handler også om protoformer af vores væsen og liv. Imidlertid er hver af dem fanget i et portræt og er ladet med den livsenergi, kunstneren har fået.
Dem, der kommer ind på Ka'Foscari-universitetet, hvor Roginskys udstilling er, bliver mødt af hans legendariske røde "Dør". Dette er et objekt fra 1965. Ikke fundet, som man kunne tænke i starten, men skabt med vilje og med absolut "portræt", som Malevichs "Black Square", plasticitet og endda ansigtsudtryk. Arbejdet med overfladen er storslået, som er udarbejdet af kunstneren, så smykker (med omhyggelig opmærksomhed på alle grader, maling drypper og craquelures), at det rå produkt får kvaliteten af en unik juvel, noget som et krypteret selvportræt forfatter.
Så allerede på døren får den besøgende på udstillingen en dimension af menneskeheden i kommunikation med den internationale modernisme af blokhuse og standardlejligheder, ligeglad med dette problem. Yderligere bevægelse understøtter og udvikler dette tema "måling af menneskeheden". Det er dejligt, at udstillingens arkitektur blev udført af den russiske modernismes guru, Evgeny Ass. Han placerede arbejdet på to etager. Selve layoutet af Ca'Foscari Universitys hovedpakke er simpelt: en stor korridor med udsigt over Canal Grande. Parallelt med det er der en kæde af små middelalderlige værelser med trelofter og undertiden pejse. Ass gjorde bevidst oplevelsen af rummet vanskelig. Han skar alle suiterne med falske vægge i træ. Hvert værelse bygget i antikken blev malet i farven på Roginskys maleri (bløde toner af lyserød, grøn, mørkeblå, mælkehvid, okker). Det viste sig at være noget i retning af en labyrint. Seeren vandrer gennem kroge og kroge af bevidstheden hos en beboer i sovjetisk khrusjtjov og kommunale lejligheder. Samtalen ledes af ting, der beboer værelserne i sådanne lejligheder.
Et spørgsmål til Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, hvilken effekt ønskede du at opnå i udstillingsprojektet?
Evgeny Ass:
- Effekt er ikke det rigtige ord - Jeg forsøgte at opnå en vis samvær i udstillingsområdet for Roginskys maleri. Og jeg ville ikke tale om labyrinten, men om den vanskelige bevægelsesbane i det maleriske rum. Hallernes ødelagte former, dramatiske rumlige overgange (alle åbningerne er forskellige), uregelmæssig ophængning af værker - for mig er alt dette "maleriets arkitektur" af Roginsky.
Der er mange ting i værelserne, og de er samlet i sektioner. Den første er "todimensionalitetens ABC". Arbejder 1978-1980. Hylder med flasker og fade. Bevidst brutalt malet med billig akryl på billigt papir eller pap. Udstyret med en slags dyr, primitiv styrke. Vilde malerier ligner fauvisme: den tilsyneladende uagtsomhed fra oprindelsen til den mest aristokratiske. Præcisionen og dybden af farven og skønheden i tonale forhold fungerer som et solbelyst farvet glasvindue.
I afsnittet “Interiør. Landskab. Figur i rummet”viser værker fra 1981-1982. Dette er en visuel rekonstruktion af Roginsky af de lejligheder, der var kendt fra de sovjetiske år. Kunstneren boede allerede i Paris og malede værelser med en lampeskærm, badeværelser og trapper fra hukommelsen. Han ville ikke behage nogen. Hans credo var at befri kunsten fra skønhed og kunstighed, at fjerne afstanden mellem maleri og liv så meget som muligt. De har trods alt en levende affinitet. Derfor er dets interiør bevidst dårlig og skrøbelig. Med røgfyldte bade, støvede radiatorer, ru borde og skrå stiger. To meter malerier er lavet på papir med akryl i en næsten monokrom teknik: grå farvet med lyserød. Ikke desto mindre føler vi os ikke mindreværd og ubehag ved at komme ind i dette interiør med vores øjne. Subtilt arbejde med plads og delikate nuancer af overfladen inden for samme tone gør maleriet udsøgt og meget ædelt. Det er ikke ellers i disse kommunale interiører i sovjetisk modernisme, udklip af intellektuelle tvister om Bakhtin og Shklovsky (de blev ført netop inden for fælles køkkener).
Et værk på udstillingen henviser nøjagtigt til en mulig sympatisør for Roginsky i den forstand at skabe en bevidst grim og uhøflig, men samtidig raffineret og smuk i subtil udførelse af kunst. Dette arbejde er "Frisør". I tågen af morgengryningen sakser en sovjetisk frisør behændigt håret på en klient, der sidder foran et spejl. Nå, selvfølgelig, er Roginskys modstykke i dette tilfælde Mikhail Fedorovich Larionov med sine barberere, den klodsede pantomime i provinsbyernes liv, bevidst kunstløs maleri og med alt dette en fantastisk kultur af farve og rum. Roginsky og Larionov forenes ved forståelsen af det almindelige og banale bymiljø som en unik kilde til kunstneriske ideer og billeder.
I dag, både i Rusland og i verden, har der været en proces med rehabilitering af den upersonlige blokerede arkitektur fra 1960'erne - 1980'erne, som for tiden i intelligentsiaen var uanstændig over for kærlighed, og at hade det var Bonton. I dag er den yngre generation netop i den anden bølge af efterkrigstidens modernisme på udkig efter eksempler på en anti-borgerlig stil, der reagerer på sociale problemer. Mange pavilloner i den nuværende biënnale er dedikeret til de modernistiske bygninger i landene i tresserne - firserne.
Hvordan inspirerer du seeren til at komme i kontakt med denne ligeglade arkitektur? Hvordan animeres hende? Roginsky hjælper med at finde svaret. Den sidste sektion af udstillingen hedder "The Returned Painting" (1991-2001). Det viser malerier (lærred, olie) med udsigt over Moskva-hjørnerne, som kunstneren, der bor i Paris, skrev fra hukommelsen. Lyserøde huse med rækker med identiske vinduer, blå kaserner, grå gader og indgange ville se deprimerende og glædeløse ud, hvis det ikke var for kærlighedens og medfølelsens energi, der stammer fra hvert lærred. Til den verden, som kunstneren forlod for længe siden, men som forblev hos ham hele livet.
Udstillingen er åben indtil 28. september.
