På en pressekonference forud for åbningen af Biennalen rosede dens præsident Paolo Barrata meget kurator Aaron Betsky for at foreslå det vanskeligt forståelige motto 'Out there' for den arkitektoniske udstilling, der nu finder sted i Venedig - den mest repræsentative arkitektur udstilling i verden. Arkitektur ud over bygning '. Ifølge Barrata er dette emne mangesidet, meningsfuldt og frugtbart. Det fremkalder kreative søgninger, og derfor er den nuværende arkitektoniske biennale måske den bedste i de sidste ti år. Kurator Aaron Betsky accepterede komplimentet positivt - hvorefter han i lang tid var nødt til at svare på spørgsmål fra journalister og forklarede, at han faktisk elsker bygninger og ikke havde til hensigt at gøre den arkitektoniske biennale til en gren af Biennalen for Moderne Kunst, og også at han slet ikke er utopisk, ikke svæver i skyerne og drømme går i opfyldelse.
Så det emne, Betsky har stillet med hensyn til tvetydighed, synes at have overgået alle tidligere udstillinger. Desuden kan det oversættes på forskellige måder - enten "udenfor" eller "før" eller "over". Et andet ord 'ud over', der nu er indsat over hele Venedig (især meget i den italienske pavillon) oversættes som "efterlivet". Dette gentager uventet det faktum, at kuratoren for Biënnalen har defineret bygninger som "arkitekturgrave" - arkitektur er efter hans mening en måde at tænke på bygninger på, og når de bygges, dør den. I Venedig, en museumsby, der roligt synker under vandet, lyder dette især pacificerende og viljestyrt får dig til at huske den russiske by Kitezh.
Kuratorens opgave skal imidlertid forstås nøjagtigt det modsatte - han ville naturligvis ikke dræbe arkitekturen, men at genoplive den (og udstillingen) på den sædvanlige måde - ved at gå ud over selve den arkitektoniske verden. på jagt efter fornyelse. Aaron Betsky opfordrede deltagerne i Biënnale til at eksperimentere og henvende sig til områderne biograf, kunst, design, landskabsarkitektur og performance. Eksperimenter, sagde han, kan tage form af midlertidige strukturer såvel som billeder "undertiden uklare".
Sidstnævnte synes at være en vigtig del af Betskys koncept. Usikkerhed er kaos, og ud af kaos skal noget nyt fødes. Antag, at enhver kritikers og teoretikers hoveddrøm ikke kun er at beskrive den observerede proces, men også at påvirke den. Når dette sker, opstår meget magtfulde, teoretisk funderede tendenser i kunsten. Når vi vender tilbage til arkitektur, er det let at bemærke, at efter entusiasmen for fremkomsten af ikke-lineær arkitektur i de senere år, er der ikke sket noget særligt i den, stagnation er beskrevet. Biënnalen er den mest indflydelsesrige arkitektoniske udstilling, og det er ikke overraskende, at det var med sin hjælp, at Betsky forsøgte at "vække" moderne arkitektur for at skabe kaos, hvorfra noget nyt forventes at komme frem. Kaos kan dog være anderledes - produktivt og destruktivt, kaos af generation og ødelæggelse (nogle gange udvikler man sig dog til en anden). Kaos kan også være naturligt, der stammer fra naturlige årsager, og nogle gange er det kunstigt, og det ser ud til, at det kaos, som kuratoren forsøgte at skabe på sin Biennale, bare er kunstigt. Men hvad enten han er produktiv eller ej - det vil kun være muligt med tiden at forstå. Hvis denne måde om ti år vil blive nævnt denne biienale som en milepæl - så var ideen uden tvivl en succes. Hvis ikke, mislykkedes det.
I mellemtiden kan vi kun blive styret af følelser. Den italienske pavillon, helt dedikeret til eksperimentel arkitektur, giver indtryk af et kedeligt kaos. Der er mange udstillinger (55), mættet med tekster og små billeder, som lejlighedsvis er ispeglet med modeller og installationer - sammen smelter alt dette sammen til en masse, der er vanskelig for opfattelsen, også fordi teksterne er meget mystiske steder - tilsyneladende for for at opnå de meget "undertiden uklarheder". For at fortynde mangfoldigheden af ungdomseksperimenter såvel som for at vise, hvordan man nøjagtigt skulle eksperimentere, blev der placeret hallene til ærværdige "stjerner" med underteksten "Eksperimentmestre". I en af dem er der et maleri af Zaha Hadid, der virkelig ligner avantgarde fra 20'erne, men kun lidt mere dekorativt og derfor smukt - selvom det ved siden af disse malerier er et tæppe lavet efter hendes motiver på en eller anden måde ser for passende ud på gulvet. I den anden er der doodles af Frank Gehry, der modtog den gyldne løve i år for sit”livsbidrag”. Doodles - oversat som "klatter", det, der er tegnet ufrivilligt, men i dette tilfælde også det, der er støbt, foldet, krøllet med forskellige grader af ufrivillighed - prototyper af Gehrys arkitektur - som således er født ud af doodles. Men det mest bemærkelsesværdige af alt er installationen af Herzog & De Meuron, lavet i samarbejde med den kinesiske kunstner Ai Weiwei: den rummelige hall ved indgangen til pavillonen er helt optaget af en struktur af lange bambusstænger, hvortil der er fastgjort bambus stole og hænger således i luften. Det viste sig ret luftigt og meget mystisk.
Udstillingen i Arsenal, hvor Betsky placerede installationer af de berømtheder, han inviterede, skaber en følelse af kaos, slet ikke kedeligt, men stærk, meget udtryksfuld, dyster og skræmmende. Måske skyldes det, at selve Corderi-rummet er stort og mørkt, de tykke runde søjler ligner en groft lavet romansk katedral, men Corderi er længere end katedralen, og skiftet af haller på et tidspunkt virker uendelig. Og installationerne er store, de er indskrevet i stor skala i dette rum og låner skalaen og omfanget fra det.”Stjernerne” blev ikke forgæves inviteret, hver arbejdede professionelt, installationerne er solide, genkendelige og lyse - Corderi blev til en række billeder - til en udstillingsattraktion. Dette er godt for udstillingen, men ikke særlig godt for kuratorens hensigt, for blandt manifestene i den nuværende biënnale blinkede tanken om, at arkitektur-tiltrækning ikke er særlig god, og arkitektur skal tænke over, hvordan vi får os til at føle, at vi er i denne verden "som hjemme". Denne idé - om "at være hjemme" - gentages mange gange i Betskys tekster og synes at være en af de vigtigste. Men stjerneinstallationer fremkalder på ingen måde "følelser af hjemmet", men genererer snarere angst.
Et andet problem er anerkendelse. En gang i Arsenal eksperimenterede ikke stjernerne med at søge efter vage billeder af noget nyt eller anderledes, men tværtimod - hver viste, at han kan. Billederne kan være vage et eller andet sted, men deres betydning virker på en eller anden måde den samme - alt dette er et resumé af kreative begreber, resultatet, ikke begyndelsen, fortiden og ikke fremtiden. Frank Gehry er meget genkendelig: han byggede et fragment af facaden, der ligner Bilbao, af træ og ler. Konkave overflader belægges gradvist med ler, det tørrer og revner. Dette gøres langsomt, i slutningen af Biënnalen i november vil hele "facaden" blive belagt med ler: sådan har installationen præstationsfunktioner, som er dynamisk, men udseendet vender stadig tilbage - når man ser på denne præstation, du husker Bilbao, og det hele ser stort ud og en spektakulær messestand designet til at fremvise det mest synlige stykke af Gehrys portefølje. Det samme sker med Zaha Hadid - hun installerede sin næste flydende form i Arsenal, som det er skrevet i forklaringen om, at hun er prototypen på møbler. Men Zaha Hadid har designet så usandsynlige møbler i lang tid. En lignende genstand blev installeret af Zaha inde i Villa Foscari til ære for Andrea Palladios 500-års jubilæum; men hvad er interessant - inde i Palladio eller i Arsenal - meget ens ting, så hvad er pointen? Greg Lynn tilføjede noget humor - også at lave møbler, men fra "genbrugslegetøj". Legetøjet viste sig at være lyse skulpturer, som, må jeg sige, tog mindst plads - for dem tildelte juryen "den gyldne løve".
Ud over ovenstående er der mange imponerende billeder i Arsenal. Den lacy spindelvævinstallation af Matthew Ritchie og Aranda Lush "Evening Line" ser smuk ud. Den består udelukkende af udsmykning - dels skåret ud af metal, dels består af skygger og videoprojektion, indskrevet i et metalmønster på væggen. Hvad dette betyder er uklart (hvad var målet?), Men det ser fristende og relevant ud - nu elsker arkitekter ornamenter. Unstudio placerede i Corderi et voluminøst objekt på størrelse med et lille rum, buet som en Mobius-strip - dette objekt er bemærkelsesværdigt for det faktum, at det kan indtastes inde. Fuchsas-familiens genstand er tværtimod skitseret af en gul linje, som anbefales at ikke krydse (som ingen observerer): disse er to kæmpe grønne varevogne med små vinduer, hvorigennem du kan se hverdagsscener i stereo biografformat. Dealeren og Scorfidio opførte sig meget let - deres installation sammenligner videoerne med to Venedig - en ægte og en legetøjsamerikaner fra Las Vegas. Det er uklart, hvordan dette afslører Betsky-temaet, men i Venedig ser det godt ud, og stolene er konstant besat. Barkow Leibinger byggede en "nomadisk have" af laserskårne metalrør - på grund af materialets homogenitet og løsningens enkelhed er dette efter min mening en af de bemærkelsesværdige installationer i Arsenal. Men Philip Rahm henledte opmærksomheden på hans installation ved, at der i de første dage af udstillingen (jeg ved ikke hvordan senere) var to nøgne mennesker, der lå der, og ved siden af dem spillede fire hipishly klædte mennesker en slags guitar musik: projektet er dedikeret til global opvarmning, men det er her følger? Ud af nøgenhed?
Så den del af udstillingen, der er designet til at svare til kuratorens kald, består af 55 små udstillinger i den italienske pavillon og 23 store installationer i Arsenal. Alt sammen tilføjer de et forsøg på at vække arkitekter - fra kommerciel praksis til "papir" -fantasier - af hensyn til fornyelse, en drejning generelt, fødslen af noget nyt. Italiens pavillon repræsenterer ifølge kuratoren både fortid og fremtid for denne proces: ungdomsudstillinger - håb for fremtiden, retrospektive udstillinger af mestre - en slags lærebog om, hvordan man eksperimenterer. Alt dette suppleres af Bezkis artikel om historien om efterkrigstidens modernistiske eksperimenter - dens oprindelse kuratoren sporer til den politiske krise i 1968 og energikrisen i 1973. Becki navngiver navne, bygger en historie og opfordrer unge arkitekter til at fortsætte den. Arsenal-udstillingen gør derimod den samme opfordring til eksperimentering til ærværdige mestre - i teorien skal hele arkitektmiljøet som et resultat inddrages i processen med at skabe "klatter" - hvorfra en ny tankegang, en nyt twist, ville efterfølgende forekomme. Så hvad sker der? Ungdomsudstillingen viste sig at være overfladisk og overmættet (selvom man om ønsket kan se interessante ting i den) - og "stjernen" gengav i stedet for dynamik og nyhed "stjernernes" egne teknikker. Impulsen til kunstigt at sprøjte kreativt kaos ind i arkitekturen ser ud til at have svigtet. Måske fordi det er kunstigt? Skønt - som det allerede er blevet sagt - først efter ti år, vil det endelig blive klart, om dette forsøg i det mindste har båret frugt, og om det har ført til en vending. I mellemtiden ser det usandsynligt ud, når man ser på eksponeringen.
Men her er den underlige ting. Det er uklart, om Betsky vækkede arkitekterne. Men de naturlige kræfter, må man tænke, vækkede. Det var let at bemærke, at åbningsceremonien for Biënnalen, hvis kurator i hans manifest sagde, at det ikke er det vigtigste i vores verden at beskytte os mod regn, faldt i et sådant regnskyl, der sjældent sker i Venedig. På grund af denne regn måtte åbningen flyttes fra Giardini til Arsenal - og en skare våde og frosne journalister stod foran indgangen. Men det ville stadig være ingenting. Så når alt kommer til alt, diskuterede kuratoren for den nuværende biënnale tilsyneladende ikke kun regn, men også krisen, argumenterer for vigtigheden af økonomiske og andre problemer for udviklingen af den konceptuelle tanke. Krisen er åbenbar. Vi venter på eksperimenter.
Botanikere og nomader
Under fortolkningen af hans forvirrede emne for offentligheden og deltagerne i Biennalen talte kurator Aaron Betsky hovedsagelig apofatisk, dvs. det modsatte. Ikke en bygning, fordi den er en grav for menneskelige håb og naturressourcer, ikke en utopi eller en abstrakt løsning på sociale problemer - men billeder og gåder at drømme om. Han opfordrede til at gå ud over bygning og arkitektur som en disciplin - og eksperimentere. Men han sagde ikke nøjagtigt, hvor han skulle hen, og bevarede det gådefulde mysterium.
Alle reagerede på dette mysterium på forskellige måder med biograf, design og møbler. Mange kritikere betragtede arkitekturbiennalen for magen til biennalen for samtidskunst og mistede dermed sin professionelle specificitet. Efter at have gået ud over rammen kan du ikke kun vinde, men også tabe - dette er generelt en spændende, men også farlig besættelse - at krydse grænser.
Den mest åbenlyse måde at reagere på emnet på viste sig imidlertid at være den mest ligetil: Forlad bygningen. Det ville være nysgerrig, hvis udstillingshallen overhovedet blev efterladt tomme, og udstillingerne blev knust udenfor, men biienalen nåede stadig ikke en sådan grad af litteralisme. Men med hensyn til flugt fra arkitektur til natur og konstruktion der uden for forskellige "midlertidige strukturer" kunne arkitekterne henvende sig til den rige oplevelse fra sovjetiske sommerboere - de flygtede også fra modernismens tilbagegang og, efter at være undsluppet, satte op en køkkenhave.
Den største køkkenhave på Biennalen blev bygget af Gustafsons. En del af den lianadækkede vilde vegetation i Jomfruhaven, beliggende ved kanten af Arsenal, på stedet for et ødelagt benediktinerkloster - blev dyrket af det britisk-amerikanske projekt "gennem paradiset" (mod paradis). Kål, løg og dild (symboler på mæthed) er blandet med blomster, i midten af sammensætningen er der en bakke, der buer som en snegl, dækket af pænt græs. Urtsneglen er beregnet til at være et sted at se, med siddepuder anbragt på den, men på en regnvejrsdag med åbning svævede kun hvide kugler over den kuperede græsplæne. Desuden placeres stearinlys i hylderne langs væggene i det gamle kapel (eller kirke?), Og de latinske navne på forsvundne dyr og planter er skrevet på væggene (der er en hel del). Det må indrømmes, at dette landskabsprojekt er det mest ambitiøse på Biennalen. For hans skyld huggede de endda flere gamle træer, hvilket ikke er velkomment i Venedig.
Forresten passer temaet Paradis godt ind i kuratoriet 'derude' og 'hinsides' - der er intet mere andetsteds end paradiset. Det afsløres på sin egen måde i den tyske pavillon: æbler vokser på grene, der sidder fast i potter, dråber med grøn væske er fastgjort til grenene. Hvorvidt frugterne selv voksede på tynde stiklinger, og hvordan dette blev opnået, forklares ikke, men den symbolske redegørelse ledsages af argumentet om, at folk, der prøver at skabe et paradis på jorden for sig selv, ødelægger hele økosystemer af hensyn til dette teknogene paradis. Æbler under dropper skal sandsynligvis repræsentere et menneskeskabt paradis.
Japans pavillon er omgivet af blomster, der ligger inde i kortvarige strukturer, der ligner konturerne af tårne flettet med grønne områder. Dette er skemaer af bygninger i flere etager beboet af vegetation - de er også afbildet inde i pavillonen på væggene med blyant. Foruden tegninger er der intet andet i pavillonen - den er helt hvid, som en slags papirark vippet ind i interiøret. Mange mennesker kunne lide denne lakoniske og kontemplative pavillon på en syntetisk måde.
Den amerikanske køkkenhave er mindre og ikke så dyb, men social - den er især viet til at opdrage børn gennem havearbejde (denne form for uddannelse praktiseres nu i mange klostre i vores land). Amerikanerne gemte den kejserlige dorica af facaden bag et gennemskinneligt maske, oprettede en køkkenhave foran søjlegangen og fyldte pavillonen med alle mulige sociale projekter. En meget seriøs og forskelligartet 'økotopedia', en encyklopædi over miljøproblemer, er indsat i den danske pavillon.
Miljøtemaet er også populært blandt eksperimentelle projekter i den italienske pavillon. Idéerne er dog for det meste velkendte: grønne byer, hvor der er en skov nedenunder, og teknologi og civilisation "på det andet niveau" og grønne skyskrabere, som man især bemærker - Julien de Smedta, et projekt beregnet til kineserne byen Shenzhen, der ligger på fastlandet overfor Hong Kong. Dette er en gigantisk skyskraber, beboet lige af mennesker og grønne områder, som ifølge forfatterne skal erstatte de skovklædte bjerge, der er forsvundet i dette område og blive et stort menneskeskabt bjerg. Uanset hvad vismanden fra Cincinnati siger om fordelene ved vage inspirationer, ser et ægte projekt meget fordelagtigt ud over deres baggrund.
En anden måde at flygte "fra bygningen" er at gå til hytten. Mærkeligt nok er han ikke særlig populær, men han er tæt på os i ånden. Den vigtigste "hytte" i form af en yurt blev bygget på Arsenal-dæmningen af Totan Kuzembaev og placeret i en lille bil. Pointen er at kombinere det nomadiske tilbehør fra to kulturer - gammel og moderne. Fra den moderne civilisation er der inden i yurt forskellige tekniske tilbehør, mobiltelefoner, bærbare computere osv., Der ikke bruges til det tilsigtede formål, men som attributter for en shaman. For at overleve i den moderne verden - skriver Totan Kuzembaev i forklaringen til "Nomad", skal du justere. Og så vil der enten opstå noget nyt, eller globalismen vil sluge alt, hvilket vil være trist - konkluderer han.
På den anden side, mellem Arsenal og Gustafsons paradis, byggede kinesiske arkitekter flere forskellige huse - lavet af kasser, krydsfiner, hardboard - huse er store, tre etager, men indeni er det ubehageligt og trangt, ligesom på et tog. Pergolahytten bygget af Nikolai Polissky på terrassen på den russiske pavillon passer også ind i samme række - en smuk struktur, men desværre ikke særlig mærkbar på grund af det faktum, at den ligger på siden af lagunen.
Der er også en mere abstrakt måde at forlade - for eksempel fra form til lyd og video. Her er en smuk og fuldstændig uarkitektonisk pavillon i Grækenland, der består af interaktive piedestaler med skærme og hovedtelefoner med byens lyde. Det er mørkt med glødende plastiktråde hængende.
Og endelig kan du komme væk fra arkitekturen ved at tømme pavillonen - dette blev gjort i pavillonen i Belgien, hvor farverige konfetti er spredt på gulvet ("Efter festen") eller i Tjekkoslovakiet, hvor der er sjove køleskabe med mad sæt til forskellige tegn.
De fleste af deltagerne fortolker flittigt emnet, men der er også skræmmere - dem, der i modsætning til mottoet stadig viste bygningerne. Når alt kommer til alt behøver nationale pavilloner ikke at følge temaet. Stor er den britiske pavillon, hvor en dyr, omhyggeligt udformet udstilling er dedikeret til fem arkitekter, der bygger boliger i britiske byer. Det viser sig, at der nu i Storbritannien - hjembyen til havebyen og nye boligtyper i begyndelsen af det 20. århundrede - bygges mindre og mindre boliger. Frankrigs pavillon er fyldt med mange modeller: hver af dem placeres i en gennemsigtig plastkasse og fastgøres til væggen med en bevægelig konsol - du kan dreje modellerne, mens du ser på dem. Spaniens arkitektur er også vist i detaljer og traditionelt - med billeder og modeller. For første gang i mange år inkluderer denne række den russiske pavillon, om hvilken - lidt senere.
Russere i Venedig
Det skete så, at blandt de mennesker, jeg var i stand til at tale med i Venedig, vurderede journalister Aaron Betskys koncept for det meste positivt, mens arkitekter for det meste negativt. Der er selvfølgelig undtagelser, men i det store og hele er det indlysende - arkitekter kommer til Venedig for at se på arkitektur, og dens næsten fuldstændige fravær var ikke den mest behagelige overraskelse for dem.
I den russiske pavillon skete alt omvendt: det er ikke vage provinser, der vises, men bygninger, mange bygninger. Tidligere, da projekter og realiseringer blev udstillet på Biennalen, blev der arrangeret installationer i den russiske pavillon, og nu, da det endelig blev besluttet at vise ægte arkitektur, formulerede Aaron Betsky den nøjagtige modsatte “opgave”. Imidlertid er temaet ikke obligatorisk for den nationale pavillon … Skulle vi have forkastet ideen for første gang at vise et stykke ægte russisk arkitektur og tilpasse sig mottoet? Svært at fortælle. Men strengt taget er det åbenlyst, at temaet, som Betsky stillede til Biënnalen, svarer til situationen med en vis kedsomhed og mæthed med "stjerner", der har udviklet sig i verdens arkitektur. Og temaet, der er sat af kuratoren for den russiske pavillon, Grigory Revzin, stemmer overens med situationen med konstruktionsboomen i Rusland. Og udstillingen repræsenterer ganske nøjagtigt et øjebliksbillede af russisk arkitektur i dag. Inkluderet variationen og trængselskarakteristikken ved den, den aktive, vitale og ikke særlig kontrollerede vækst af forskellige bygninger.
Udstillingen består af to dele. Den øverste etage er besat af moderne projekter og bygninger - den har tre haller, en hovedbygning og to yderligere. Designerne Vlad Savinkin og Vladimir Kuzmin besluttede dem i tre forskellige farver: den første hal, der viser det elektroniske katalog, er hvid, den tredje sal - den indeholder udviklere, er sort, og den vigtigste, centrale hal er rød. Dens gulv er foret med skakceller, de røde er bygningerne til russiske arkitekter, de hvide er modellerne lavet efter design af udlændinge, der bygger i Rusland. Ifølge kuratorens idé finder der et betinget skakspil sted mellem modellerne af russere og udlændinge - der fremhæver temaet for konkurrence mellem "lokale" og "fremmede" arkitekter.
Anden del af udstillingen er Nikolai Polissky's træstrukturer, endnu ikke arkitektur, men som defineret af kuratoren for den russiske pavillon Grigory Revzin, et udtryk for drømmen om det russiske landskab. Polisskys værker gennemsyrer den russiske pavillon - i hallen på første sal danner de en skov, der er udtyndet af lyspletter. På samme sted, i den næste hal, vises Polisskys hovedværker og - videoer - processen med deres oprettelse af styrkerne i et velkoordineret team af beboere i landsbyen Nikolo-Lenivets. Baseret på første sal vokser Poliskys strukturer overalt - i form af en improviseret bue foran indgangen, pergolaer på terrassen (såkaldt 'ud over bygningen') og endda benene ved bordet i udviklerens hall er lavet af de samme skæve kufferter.
Det må indrømmes, at Nikolai Polissky's designs adskiller sig markant fra andre landskabsprojekter i Biënnalen, og ikke kun ved, at de helt mangler "paradis" -temaet i en havehave, og materialet er vildt, naturligt, næppe renset. De er meget tættere på naturen end økologiske projekter, der faktisk i højere grad hører til teknologiens verden. Polisksky's "skov" er en smule vild og skræmmende, selvom det ikke er plads i pavillonen - der er ingen steder at vende om. Men du er nødt til at forstå, at dette er en "eksport" skov, en nisse på tur. I Nikolo-Lenivets er Polisskys landskabsprojekter både større og mere vitale.
I år deltog russerne i alle de vigtigste dele af Biennalen. Totan Kuzembaev, der for nylig vandt andenpladsen i konkurrencen om en bro over den venetianske Grand Canal, blev inviteret af Aaron Betsky til at deltage i den kuratoriske udstilling af Arsenal og byggede den allerede nævnte yurt på gaden foran ham. Boris Bernasconi, der for nylig delte førstepladsen i den internationale konkurrence om Perm Art Museum med Valerio Olgiati, blev inviteret til at kurere udstillingen i den italienske pavillon - og brugte denne invitation til at kæmpe mod Norman Fosters Orange-projekt. Jeg må sige, at Aaron Betsky på sin pressekonference særskilt nævnte Bernasconis projekt og roste det meget i den forstand, at den unge arkitekt turde protestere mod Foster selv.
Efter ankomsten til Venedig blev barselshospitalets udstilling (kurateret af Yuri Avvakumov og Yuri Grigoryan) til et meget smukt projekt. Udstillingen blev vist for første gang i Moskva på VKHUTEMAS galleriet, derefter i Skt. Petersborg. Jeg må sige, at udstillingen, som var blevet opfundet et år tidligere, viste sig på Biennalen meget nyttig: den består af skulpturelle arkitektoniske embryoner, fortolkninger af temaet fødsel, produceret af arkitekter, blandt hvilke der er mange russere, men mange udlændinge. Jeg vil endda vove at foreslå, at her udtrykkes Betskys hovedide, hvis ikke mere præcist, så mere kortfattet end i Arsenal. Udstillingen har til huse i den venetianske kirke San Stae og har ændret sig markant: alle udstillinger blev placeret i celler inde i væggene i et paphus med perforerede vægge. Denne bygning sammenlignes med en kirkereliquary og samtidig en nativity scene. Udstillingens udvikling synes at være meget logisk. Desuden ser det ud til, at Venedig selv spillede en rolle her - en by, hvor næsten enhver mur bærer et ikonhus med et skulpturelt ikon. Fra hvad byen ser ud til at være indviet som helhed - en kvalitet, der allerede er gået tabt af andre europæiske byer - og endda det brutale "barselshospital" her bliver til en julefødselsscene. Venedig er en vidunderlig by.
