En udstilling med arkitektonisk grafik "Kun Italien!" Er åben for offentligheden i ingeniørbygningen i Tretyakov-galleriet. Halvdelen af udstillingen består af ting fra samlingen af Sergei Tchoban-fonden, halvdelen - tegninger fra Tretjakovgalleriet og nogle flere - værket af fire samtidskunstnere-arkitekter: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov og Sergei Tchoban.
Udstillingen er helt fantastisk af mange grunde. Først og fremmest er arkitektonisk grafik af høj kvalitet et materiale, der disponerer over for sig selv. At undersøge det fra ark til ark, undersøge i detaljer krøller, skygger, personale, orden er en perfekt fornøjelse.
På den anden side kan det ikke siges, at arkitekter ofte vises i Tretyakov Gallery. De vises næsten aldrig der. Og her - udstillingen forenede ikke kun ting fra galleriets opbevaringsrum, dem der har ringe chance for at blive vist på et andet tidspunkt med ark fra samlingen af Tchoban-fonden, der er opbevaret i Berlin. I midten af alt, ligesom skabelsens krone, er tegningerne af moderne arkitekter.
Udstillingen tilhører SPEECH-bureauet og Sergei Tchoban, der arrangerede værkerne fra hans samtidige (inklusive hans egne) i en lille rotondehal; i galleriet omkring ham udstilles grafik fra det 20. århundrede; på afstand, i yderligere to rektangulære rum, vises ark fra det 18. - 19. århundrede opdelt i to blokke: "The Theme of a Theme" og "Rossika" (værker af udlændinge i Rusland). Således adskiller kronologien sig i cirkler i ekspositionens rum eller rettere, konvergerer fra fortiden til nutiden: noget som cirkler på vandet, kun omvendt.
Det skal bemærkes, at TALE snarere konsekvent udvikler motivet for den runde hal i sit arbejde med udstillingsdesign: det er nok at huske udstillingen "Museum of Graphics" på ArchMoscow i 2013 (da Berlin Museum of Graphics endnu ikke var åben), eller to designs af udstillingen af den russiske pavillon ved den venetianske biennale for arkitektur: malerisk diorama af byen Vyshny Volochok i 2010 og "Pantheon" fra QR-koder 2012, for nylig
genskabt i Zaryadye. Runde haller er ret sjældne i designet af moderne udstillinger - rotundrummet er ikke særlig praktisk at udstille, da det har tendens til at overvælde udstillinger og se mere vigtigt og værdifuldt ud i sig selv. Det er et tempel, ikke et museum, et koncentrationssted eller endda en gudstjeneste.
Denne kvalitet af runden fremhæves og bruges i hængningen. Grafik af den nye tid udstilles i overensstemmelse med alle reglerne for museets udstilling og med behørig respekt. I det roterende rum til venstre ophører det grafiske ark med at være selvværdigt og bliver en underordnet del af det rumlige plot. Arkene af Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban er hængt i to rækker uden at lægge vægt på hvert enkelt værk som en museumsværdi (grafikken fra det 20. århundrede i det cirkulære galleri tjener som en overgang, hvirvlingen selv fjerner allerede museet strenghed).
Udtalelsens betydning er klar nok. Moderne grafik er ikke en udstilling her, men snarere en erklæring om selve dens eksistens - missionen om at fortsætte og genoplive traditionen med klassisk tegning. Det er en del af et imaginært kunsttempel, mens den historiske samling er noget som dets sakristi, et lager af værdifulde eksemplarer.
Det er karakteristisk, at den indvendige plastikerklæring, som så subtilt fortolker udstillingens indhold, forbliver inden for rammerne af klassikernes sprog. Helt uden ordre, men detaljerne og de rumlige oplevelser føjes til den runde sal af de faktiske grafiske ark. De er hans kortvarige arkitektur. Overvej for eksempel den runde side af Pantheon, artikuleret af en pænt tegnet sokkel med aflæsningsbuer: "Pantheon i Pantheon" fortsætter det startede spil videre, allerede i et imaginært rum bag grafikken.
Til det, der er blevet sagt, er det fortsat at tilføje, at udstillingen, der starter med "grundlæggerne" fra det 18. århundrede, yderligere udforsker den specifikt russiske tradition for at beundre Italien, og tættere på det 21. viser det sig, at denne tradition har erhvervet her helt specielle træk, ikke blottet for en tone af beundring og i god forstand besættelse, som er så subtilt fanget af hallens tempelform. Ingen bekender studier af antikviteter så oprigtigt som Maxim Atayants; ingen tror, at hans arkitektur er født ud af et akvarellandskab, som Mikhail Filippov; ingen er så engagerede i den indre værdi af genren af arkitektonisk grafik som Sergei Tchoban, der skabte sit museum, og Sergei Kuznetsov, der konstant går ud i det fri. Sammen er resultatet et heterogent, men bestemt unikt fænomen.
Vi talte med alle fire udstillere af Contemporary Drawing Room.
Sergey Choban Archi.ru:
Er dette virkelig den største udstilling af arkitekttegninger lavet med deltagelse af dit fundament i øjeblikket?
Sergey Choban:
- Jeg tænker ja. Både efter antallet af præsenterede værker og efter den dækkede periode er dette det største show. Her er værkerne af fremragende vesteuropæiske forfattere, grundlæggerne af skolen for arkitekttegning fra det 18. århundrede og et stort antal grafik af fremragende russiske kunstnere og arkitekter, der aktivt arbejdede i denne sammenhæng.
Udstillinger af arkitektonisk grafik, organiseret af dit fundament, tager allerede form i en bestemt rækkefølge. Er der en generel plan, en udviklingsvektor, eller er plottet genopfundet hver gang?
S. Ch.: Generelt hver gang den opfindes igen, selvom vi har visse principper. Især stræber vi efter at arbejde med fremtrædende museumsinstitutioner. Et af vores næste projekter vil være fælles med Albertina fra Wien. Dr. Schroeder [direktør for Albertina-museet i Wien - Archi.ru] var i salerne på vores museum i Berlin og udtrykte et ønske om at lave et fælles projekt - vi er meget glade for dette og stolte af dette forslag. Der er også andre projekter.
Der er planer om at arbejde med Shchusev Museum of Architecture, det synes jeg er meget vigtigt.
Du er samler, grafiker, designer, arkitekt - hvordan er dette relateret til hinanden?
S. Ch.: Det forekommer mig, at dette er forskellige led i samme erhverv. I historisk sammenhæng var arkitekter også kunstnere; de beskæftigede sig ikke kun med hovedbygninger, men også med scenografi, teaterforestillinger.
Indtil det 20. århundrede havde arkitekter ikke fotografering …
S. Ch.: Jeg tror, at fotografering ikke har de samme mål som arkitekttegning. Tegningen fanger den vigtigste del af menneskelig kreativitet - arkitekturen, som en person skaber inde i det naturlige rum.
I mellemtiden laver Maxim Atayants og Mikhail Filippov klassisk arkitektur, men det gør du ikke
S. Ch.: Selvfølgelig ikke, dette er ikke direkte relateret til den arkitektur, vi laver. Det ser ud til, at studiet af arkitektur ved at tegne kan føre til helt andre resultater: det er studiet af proportioner og rumlige effekter og stof og detaljer. Det er ikke for ingenting, at der i dag, ikke kun på russisk, men også i mange europæiske skoler, igen er meget opmærksom på tegning, for kun gennem tegning kan du se, hvordan materialer i forskellige strukturer kombineres med hinanden, hvordan stof af de mindste detaljer flyder ind i hinanden.
Dine tegninger på udstillinger er altid meget færdige værker, tegnet fra naturen. Hvorfor viser du ikke skitser?
S. Ch.: For det første er temaet for denne udstilling ganske bestemt, det betyder ikke noget andet. Og for det andet skal tegningerne selv have en uafhængig kvalitet. Skitser har ikke altid denne kvalitet.
Vokser dit maleri mere ud af din samling eller ud af din arkitektur?
S. Ch.: Jeg tror, at samlingen trods alt voksede ud af tegning. Og meget af den arkitektur, jeg laver, vokser ud af tegningen. Det vokser bare ikke lige. Der er ikke sådan noget, at du tegner en bygning fra den gamle periode og derefter designer noget lignende. Derefter designer du noget andet, fordi lovene om rumudvikling er forskellige.
*** Det lykkedes os at stille tre andre deltagere i udstillingen det samme, i dette tilfælde vigtige, spørgsmål: om deres grafik adskiller sig fra den historiske, og i bekræftende fald hvordan.
Maxim Atayants
Hvordan adskiller din grafik sig fra de historiske, der præsenteres her på udstillingen?
M. A.: Grafikken er så forskellig her … Jeg har en fornemmelse af, at de fire moderne udstillere adskiller sig næsten lige så meget fra hinanden som dem, der hænger i andre haller i denne udstilling.
Epokerne er forskellige. Moderne grafik kunne kun være påvirket af den kolossale visuelle redundans i moderniteten. I løbet af de sidste to år er der taget flere fotografier i verden end i hele den tidligere historie siden den første daguerreotype. Trykket fra den visuelle redundans tvinger os til at behandle tegningen forskelligt og trække noget derfra ud, som ikke fx er i fotografering. Jeg er en ret professionel fotograf, så det er vigtigt for mig at sammenligne disse ting. Men jeg er bange for bevidst at reflektere over dette emne, fordi opgaven med tegning og fotografering er den samme … Jeg vil gerne på en eller anden måde udtrykke min glæde og spænding ved mødet med disse bygninger. Sandsynligvis løste Quarenghi de samme problemer. Og resultatet er anderledes, fordi æraen er anderledes. Hvordan ellers skal man svare på dette?
Hvorfor fotograferer du ikke kun, men tegner også?
M. A.: Men på dette kan jeg let svare. Fordi forskellige mekanismer er involveret. Tegning er en måde at lære på, den eneste slags menneskelig aktivitet, hvor hjerne, øje og hånd samtidigt er involveret med lige intensitet. Det er umuligt at bruge en time tankevækkende og koncentreret på at se noget stykke arkitektur, hvis du ikke maler. Dette er en måde at lære på.
Vi tager billeder, som andre kan dele, og tegner for os selv. Til assimilering. I det mindste i mit tilfælde.
Har du nogensinde malet fra et fotografi?
M. A.: Som enhver idiot, der studerede på Kunstakademiet, trak jeg selvfølgelig fra fotografering om natten, når jeg for eksempel ikke havde tid til at færdiggøre min semesteropgave. Så syntes det mig, at det var lettere. Nu prøver jeg ikke at gøre dette, fordi dette er en meningsløs efterligning af processen. Efter min mening er tegningen at tegne fra livet.
Når jeg tegner og forstår noget, er denne proces dyb. Hvorfor forenkle det, mens du prøver at få det samme resultat billigt? Eller udadtil ser det samme ud. I de tilfælde, hvor du ikke havde tid til at afslutte på stedet, kigger du nogle gange selvfølgelig på fotografiet … Men dette er sekundært. Det er forbløffende, at det nu er meget sværere og længere for mig at tegne fra et fotografi end fra naturen. Det er sandt.
Sergey Kuznetsov
Hvordan adskiller din grafik sig fra de historiske, der præsenteres her på udstillingen?
S. K.: Jeg vil ydmygt sige, at vi ikke kan gøre det. Jeg er meget glad for værkerne fra Maxim Atayants, der fandt en ressource i sig selv, var i stand til at dykke ned og gå i en anden grad af detaljer - det er klart, at vanskeligt ikke betyder godt, men simpelthen ikke betyder dårligt - men alligevel, hvilke højder de gamle mestre nåede, og i tålmodighed og hårdt arbejde og i øjet - dette er forbløffende. Vi må lære … Jeg ser stadig med misundelse på grafikken, der præsenteres her; at beherske en sådan færdighed ville selvfølgelig være fantastisk.
Betyder tegning af klassisk arkitektur at stræbe efter at opbygge klassisk arkitektur?
S. K.: Nej, det betyder slet ikke. Tegning af klassisk arkitektur bør ikke være knyttet til designet af klassisk arkitektur, ligesom at læse De tre musketerer ikke betyder, at du er klar til at svinge sværdet i morgen.
Hvordan er arkitektur og maleri forbundet med dig personligt?
S. K.: I denne forstand er jeg en old school-person, jeg værdsætter grundlæggende håndværksfærdigheder. Det ser ud til, at den måde, hvorpå arkitekturen er lavet, ikke har ændret sig og ikke bør ændres: en person skal give tanker, fornemmelser, følelser gennem sig selv - en computer tillader ikke at udtrykke alt. Jeg var dybt og seriøst glad for computergrafik, jeg havde mange publikationer og udstillinger, det giver mig mulighed for at sammenligne arbejde med mine hænder og øjne - og arbejde med en computer. Når du har kontrol over din hånd og kan skildre, hvad der er i dit hoved med dine egne hænder, hjælper det dig personligt og fungerer også godt som et overtalelsesværktøj.
Hvorfor viser du ikke skittegrafik?
S. K.: I dette tilfælde ville det ikke være passende … Dette er ikke en bevidst position; der vil være forslag - vi udstiller. Generelt er dette ikke sandt, vi udstiller det - på udstillingen for "årets arkitekt" på Arch Moskva havde vi en skittegning. Vi har mange skitser af god kvalitet. Efter min mening vil håndskrifterne simpelthen ikke være af interesse for publikum. Generelt vil jeg sige, at publikums interesse for ethvert arbejde er direkte proportional med den mængde arbejde, der investeres i det.
Hvordan begyndte du at tegne historisk arkitektur?
S. K.: Jeg begyndte at tegne længe før jeg gik på college. Mine forældre var ikke på nogen måde forbundet med hverken kunst eller arkitektur, men jeg blev ført med af en række kreativitet, prototyper, tegning, og så kom jeg på forberedende kurser på Moskva Arkitekturinstitut. Siden da har jeg ikke stoppet med at male; skønt efter instituttet var der en pause, da jeg ikke længere var engageret i manual, men i computergrafik.
Senere begyndte jeg at arbejde med Sergei Tchoban, et eller andet sted omkring 2006, at jeg rejste til forskellige byer, tegnede arkitektur. Siden da rejser vi regelmæssigt flere gange om året for at male arkitektur. Vores første tur i det fri i Rom var for eksempel i Piranesis fodspor.
Mikhail Filippov
Hvordan adskiller din grafik sig fra de historiske, der præsenteres her på udstillingen?
M. F.: Jeg kan ikke besvare et sådant spørgsmål. Jeg kan fortælle dig, hvordan arkitektonisk grafik adskiller sig fra et arkitektonisk landskab. Jeg har været medlem af Union of Artists i 30 år og har udstillet som kunstner mange steder, herunder Tretyakov Gallery og Russian Museum. For mig er dette spørgsmål helt klart. Det arkitektoniske landskab, som vores forfædre var engageret i, er først og fremmest tegning og organisering af arket af høj kvalitet med en kunstnerisk tilgang. Desværre maler de fleste arkitekter deres yndlingsobjekt som et lille perspektiv og ikke som et landskab.
I sovjettiden arbejdede jeg endda under kontrakterne fra Academy of Arts som en ren landskabsmaler. Under perestroika kom serovitterne til magten der - de fleste af dem er gode kunstnere, realister, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Stærk, teknisk grafik var også der.
Resten af sovjetisk grafik udviklede sig i retning af den modernistiske organisering af arket: Hvis vandet for eksempel er let, er det skrevet helt hvidt osv. Da jeg begyndte at skrive, tænkte jeg mere på nuancer, mellemtoner; nuancer af hvid nat, tegningskvalitet, finesser i perspektiv … Dette gjorde mig ret unik på det tidspunkt, disse gamle mennesker elskede mig meget. Jeg arbejdede under kontrakter, kom og viste dem, de kom med nogle kommentarer - det føltes som om mesterne så mig.
Så jeg føler ikke meget af en forskel med de gamle mestre. Hvis de ikke lavede en teknisk tegning, men et landskab. Tilgangen til landskabet var som en kunstner. Det arkitektoniske fakultet for Kunstakademiet hyrede engang dem, der tegner bedre, og maleriet - dem, der tegner dårligere. Og de udstedte et eksamensbevis under navnet "kunstner af arkitektur" - dette blev formuleret indtil nogle, jeg ikke kan huske nøjagtigt, et år. Jeg føler ikke nogen forskel med dem, især når det kommer til værker fra begyndelsen af århundredet. Jeg blev opdraget på værkerne fra Ostroumova-Lebedeva.
Skønt en anden nuance for mig er interessant - den hvide nat. Det russiske landskab blev nuanceret i mellemstater. For eksempel Vasiliev - tø, ingen vinter, ingen forår, intet lys, intet mørke, halvtone, en solstråle … Du finder ikke landskaber af høj kvalitet i verdensmaleriet, hvor der ville være en lyseblå himmel og lyst grønt! Måske har Rylov måske noget lignende eller Cezanne, men det er allerede anderledes.
Det viser sig, at du har to temaer: dit arkitektoniske landskab og din arkitektur …
M. F.: Ikke! Der er ingen forskel. Smuk arkitektur skal være forbundet med naturen, med solen. Jeg kender og elsker kunsthistorie meget godt. I 1980'erne var det interessant for mig at fortsætte, hvad der blev afbrudt i tyverne, da maleriet på en eller anden måde begyndte at blive til - måske meget høj kvalitet - men modernisme.
Tror du, det er rigtigt at vokse sammen?
M. F.: Ja, dette er en absolut realitet. I januar i år overgav jeg det - skove blev fjernet fra 750 tusind kvadratmeter beboelsesejendomme.
I Sochi?
M. F.: Ikke kun i Sochi, i Moskva er der et hus på marskalk Rybalko Street. Jeg kan forsikre dig, dette er udførelsen af 2001-stilen, som jeg kom på for tredive år siden.
Føler du dette som udførelsen af dit maleri?
M. F.: Ja, ja … Jeg kan ikke se forskellen.
Tro det eller ej, jeg tog eksamen fra akademiet, kom på et koncept, og derefter tog jeg en pensel og akvarel for første gang. Jeg skrev ikke på akademiet eller på kunstskolen. Og hvis jeg skrev, er det umuligt at se på, hvad jeg lavede dengang.
*** udstillingen er åben indtil 27. juli (åbningstider)
